lo viejo vuelto a forjar

Persistencia en el tiempo: Memorial poético

2011-09-28T10:19:00.000-05:00

Por: Carlos Peniche Ponce

Vengo hoy a apoyarme en la nota/prólogo del prestigiado poeta y prosista yucateco Raúl Renán -por cierto, fraterno tutelar mío desde la niñez-, y a tener el honor de decir dos palabras apenas, con tal de proclamar emocionadamente el ímpetu de la poesía y la verdadera presencia de un poeta. Me refiero, desde luego, al libro de Rodrigo Ordóñez Sosa que el día de hoy nos convoca.
(Entre paréntesis, es bueno antes recordar que, en el mismo año aciago de 1974, el escritor y poeta chiapaneco Óscar Palacios -Premio Chiapas- tuvo el primer acercamiento poético al terrible asunto que magistralmente aborda hoy el poeta Ordóñez; sin olvidar, tampoco, la conocida novela Charras del afamado narrador yucateco Hernán Lara Zavala).
Este libro/poema, sabiamente denominado Persistencia en el tiempo, consiste en un tenso e intenso poema narrativo, evocador del bárbaro suceso que puso fin a la vida del líder universitario y abogado sindical Efraín Calderón Lara, el cual tuvo lugar en la Mérida de hace casi cuarenta años.
El hilo narrador del valioso texto marca, a través de sucesivas palpitaciones profundas del autor, la secuencia humana y espiritual, poéticamente apabullante, de aquellos infames acontecimientos. En un texto soberanamente elegíaco, el poeta proyecta a un punto la épica y la lírica, fundidas aquí ya para siempre.
El poema, prolijo y desenvuelto, se eleva gradualmente para arder como antorcha en cuatro cantos decisivos: El tiempo, la rebelión. Cárceles presentidas. El polvo, la espada. Y Efraín, el sueño. De este modo, los lectores avanzamos conceptualmente y melódicamente a la vez, gracias a la manifestación dolida e indignada del espíritu del poeta -expresada en sus diversas voces-, y en virtud de las imágenes poderosas e iluminadoras que consigue, así como por el ritmo y la sonoridad que exhibe su lenguaje. Escuchemos algunos muy encomiables versos de esta voz poética:
Son las ciudades del silencio que se disipan… Tus huesos son la primera piedra… ¿De dónde surge el muñón del odio que forja ciudades?... Correteo en una ciudad con filo de navaja... El poeta permanece en su esquina, quiere contar la métrica de una puñalada… Sólo nos queda el monte alejándose de la humareda… Llegamos a la cárcel/ con el verso en ristre… Cómo hablar del hombre, cuando venden sus brazos por un cigarro… alguien escribió que el poeta saluda/ al sufrimiento amado… un escupitajo para quitar el tiempo…
A veces, también, adopta la concepción de una Prosapoema. Por ejemplo, además de en otras páginas, en la número 22:
El carro se retuerce,/ bufa/ intenta tirar del volante,/ lo sujeto con ambas manos// el tiempo, arrojado desde la ladera,/ rueda hasta despeñarnos,/ empuja,/ golpea,/ sangro,/ somos cristal esparcido en la carretera.
¿Cómo, por qué golpeó el alma y la sensibilidad de Rodrigo Ordóñez este crimen desalmado, esta ejecución impía, sanguinaria? Por su condición ciudadana, pero, ante todo, debido a su condición inevitable de poeta. Por lo que significa la injusticia infamante que cae abrupta, siempre, contra las luchas sociales. Pero además, por la víctima individualizada, el mártir; por el imperdonable sacrificio del joven, valeroso y temerario dirigente, ejecución abyecta que horadó de dolor al poeta de hoy y que entonces aún no nacía… Aquí es donde prendió fuego el acontecimiento implacable sobre el trémulo corazón del niño/adolescente/joven Rodrigo, quien lo tuvo que transformar en poema, en poesía: sollozo ronco de duelo, de coraje, de ternura ante el luchador masacrado…
En este momento quiero opinar que la vanguardia a la que alude el maestro Raúl Renán -además del intercalado de los recortes de prensa, declaraciones y fotografías- no se refiere, en general, al más puro sentido del término; sino, particularmente, a una vanguardia revolucionaria debido al tema tratado, cantado y contado, ya que la metálica, templada poesía de nuestro autor recuerda los pasos del inmenso poeta salvadoreño Roque Dalton (asesinado, por cierto, a manos de sus compañeros revolucionarios), del notable nicaragüense Joaquín Pasos y de los integrantes del grupo mexicano “La espiga amotinada”, así como los ecos históricos del México de José Revueltas, el indeclinable novelista, y de los guerrilleros ajusticiados Lucio Cabañas y Genaro Vázquez Rojas.
¿Escuchas quebrarse mis dedos, Efraín ,/ mientras escribo tu nombre?... Para que la rabia muerda la lengua/ de los hombres…
Este libro es clara, rotunda poesía que transporta hacia viejos resquicios poéticos y de canto de otros tiempos, de luchas obreras y estudiantiles, y de gobiernos prepotentes. Y este linaje no tiene nada de malo, sino todo lo contrario.
Y me parece que podría, incluso, decirse que es poesía a destiempo. Pero este destiempo no significa que sea olvido, al contrario. La poesía (y los poetas, como Rodrigo) no olvidan; sacan a relucir historias que se quieren silenciar y olvidar, volverlas amnesia o sueño difuso, bruma.
Sin embargo, aquí está, estará siempre entre nosotros, la palabra poética para recrear la historia de nuevo. Se puede –se debe—impartir justicia con un poema. Y para eso sirve la literatura.

Publicado en el periódico Por Esto! el 27 de septiembre de 2011

El sitio sobre la incertidumbre

2011-08-04T18:02:00.000-05:00

La neblina nocturna desciende espesa sobre la ciudad. Irreal, dibuja los límites nuevos del asfalto, sacia su hambre en los edificios, deja los esqueletos oxidados de las lámparas luchando contra su oscuridad. La única luz posible emana del libro “Y el estado de sitio”, de la escritora Ileana Garma. Sobre la mesa, insinúa sus muros asediados con la esperanza que el lector sea el salvoconducto idóneo para liberar sus fronteras.

El Estado de Sitio es un control político y militar impuesto en una entidad federativa cuando las condiciones existentes en la sociedad son similares a la guerra. Entonces, las fuerzas armadas son dotadas de facultades extraordinarias para restablecer el orden, con el objetivo de evitar que la población se desborde ante la ausencia de los poderes constitucionales. Con esa idea entré al universo de Ileana Garma, me sumergí en la caravana de palabras para descubrir mi incertidumbre a través de sus ojos, los cuales contemplan el mundo como un caos y fragmentos de emociones olvidadas que se entrelazan en nuestro espíritu.

El poemario abre con una declaración de ausencia, de un líquido que nos hace falta para levantarnos de la cama o para sentir nuevamente la fugaz felicidad de sentirnos amados, esa ausencia será un dolor extendiéndose hasta estrellarse con la eternidad. Con los primeros versos comprendemos que hay días que sólo estamos hechos de lágrimas e impotencia. Tal vez miramos nuestra vida como una caravana de recuerdos, de trenes que contienen una carga mínima pero significativa: momentos vitales tan escasos, tan frágiles, que pareciera decirnos, en el segundo poema, que la vida, en realidad, no es tan larga como suponemos. Únicamente nos sujetamos con fuerza del último vagón para desear que la palabra pronunciada no sea la definitiva.

La voz poética tambalea sobre los bordes de la incertidumbre, de ese dolor primigenio que nos arroja hacia los recuerdos, a esos callejones circulares que forman parte del esqueleto de la nostalgia. La autora, consciente de la trampa, retoca sus recuerdos para reinventarse en las imágenes que relampaguean en sus versos. Sin embargo, para dejar atrás la pesada piel que envuelve a los solitarios y a los desamparados, es necesario desollarnos con la lluvia, porque esa fuerza borra cada promesa incumplida entre los amantes. Después de cada lluvia poética, descubrimos las barreras, los cambios vislumbrados, para que al finalizar la travesía, descubramos que ni en el amor existe la certeza y todo es un juego de máscaras, donde acabamos separándonos con sólo una bolsa de memorias al hombro, que de tanto visitarlos, empiezan a romperse.

A la medianoche, el poemario desenvuelve la melodía que habita en sus cicatrices. La construcción de cada verso nos transporta al estado de tranquilidad que cobija el viajero, cuando sus pies reposan sobre los sueños y la ansiedad que despierta conocer un país desconocido. Ese ritmo vislumbra ante mis ojos la ilusión de una frontera añorada, la cual atravesamos guiados sólo por la mano hábil de Ileana Garma. Ella revela las fracturas de su mundo interno, cuando terminamos de visitarlo, nos damos cuenta que ya habitamos en él.

Con cierta ironía por parte de la autora, regresamos al principio, a la pregunta vuelta título, dónde está el estado de sitio, quién lo impone, qué fuerza o poder supremo lo ha declarado: solamente el lector tendrá la respuesta, porque únicamente nosotros conocemos el dolor que nos obliga a caminar sonámbulos y la causa de nuestra apatía cuando la niebla nos arrebata inmisericordemente la ciudad, mientras reposamos sobre el libro.

Publicado en el Periódico Por Esto!

1 de agosto de 2011

Carta triste para Zací

2011-07-22T11:28:00.001-05:00

Apreciada Zací: escribo sobre la mesa de mi cuarto, la tarde se desprende del café para mezclarse con el aroma a pasto recién cortado, y mientras el sol raya el barrio de Santa Lucía, cada destello descubre un rostro nuevo sobre la cúpula de su Iglesia, mueve los tres arcos que rodean su puerta hasta abrazarla puntual cuando la tarde muere entre las calles de la zona y se enciende el primer farol en el costado norte. ¿Don Luis Rosado Vega ronda estas ideas?
Ciudad Heroica que devino gavilán blanco, con perfil heráldico, custodias el secreto que guardan tus paredes, pero la noche puede tocar el sonsonete exacto para que tus piedras canten, murmuren y revivan todas las voces de los niños que han acariciado tus imponentes sueños. Los más afanosos recorren el suburbio con la mirada cansada, silban en el trayecto que los lleva a casa, dejan pruebas de su paso por Zací, intuyen que, sin importar los siglos que transcurran, las piedras resguardarán su voz de la seca previa; sólo los poetas vallisoletanos conocen la geografía de tu nostalgia, ciudad que desde mi ventana los veo sentarse en el parque de Santa Lucía, presentando sus palabras a tu voluntad de flama. ¿Habrá rincón de las alturas que no haya esbozado José Inés Novelo?
Los niños recorren el parque dejando filigranas del territorio infinito de su infancia: una piedra arrojada con descuido, sus huellas sobre los árboles y los juegos metálicos donde esconden sus sueños, sueños que sustentan el alma de la ciudad. Como nadie, tus piedras saben que mañana vendrán a acariciarlos, cuando, también, sus hijos alimenten con juegos y anhelos las noches serenas de un barrio cubierto de riqueza auténtica, que generaciones enteras batallan por mantenerla viva. ¿a quién pertenece esta idea que fluye en el aire vallisoletano?
Es tiempo de retirarnos de la mesa, tu silueta rodó hasta el fondo de mis ojos, impregnando con tu aroma cada recuerdo oculto, quisiera materializarte cuando esté en otras ciudades, en otras tierras, sólo puedo llevarme las artesanías que elaboraban los orfebres con los cristales de la añoranza. No quiero cargar en los bolsillos del pantalón la tierra que circunda tu geografía, sino atrapar en mis oídos las voces remotas y presentes que soportan tu estructura, cerrarlos para escuchar únicamente el sonido del aire al rozar tus edificios, sobre todo esa melodía que arrulla a tus habitantes cuando la noche se encuentra en la pausa más elevada.
Zací es imposible que tengas sabor a polvo, sino a maíz recién tostado que las manos hospitalarias de tus hombres y mujeres ofrecen al viajero que reconoce la grandeza de tus calles; y aunque todavía permanezco saboreando la nostalgia que despiden las tardes sobre Santa Lucía, no quiero abandonarte sin antes escribir esta carta, para que la ocultes entre tus piedras, para que cuando tus muros sean bañados por el aire, mi voz forme parte de tu herencia. Santa Lucía cierra los ojos al rocío, mientras sueña dentro de mí.

Publicado en el Periódico Por Esto!

Por qué leo cómics

2011-02-26T11:17:00.000-06:00

Muchas veces me han hecho esa pregunta, la respuesta a veces no agrada a todas las personas porque esperan una contestación un tanto elaborada o que justifique mi adicción como parte de un estudio literario más complejo o seudo erudito sobre la estructura o los temas que tratan, sin embargo la respuesta es más sencilla: porque me agradan y me hacen creer en un mundo mejor.

Talvez sean producto de una diabólica manipulación ideológica impulsada por Estados Unidos o Japón, un complot de Disney para monopolizar el mercado, sin embargo el mundo depende de como lo mires; en ellos he encontrado un universo delimitado entre los correcto e incorrecto, entre los valores que aspiramos que tenga una civilización y el compromiso de entregarnos a un ideal hasta verlo convertido en realidad.

Obviamente me refiero a los primeros que coleccioné, ahora las historias están enfocadas a mostrar el mundo como un inmenso gris, donde los superhéroes y villanos están divididos por líneas tan tenues que apenas las percibimos. No hay nada malo en ello, al contrario, la modernización de sus tramas, dibujos y esquemas de pensamiento siempre son bienvenidos, evitan la repetición absurda de modelos que hoy en día parecen obsoletos ante la violencia y la irracionalidad que muchas veces hay en nuestros actos.

En los primeros números que tuve en mis manos, allá en el lejano 1985, me hicieron mantener la esperanza en un mundo mejor, donde las acciones correctas no se confundían, donde no había una conspiración económica, política, religiosa o social escondida, simplemente era una lucha entre dos fuerzas sin medias tintas.

Apenas ayer releí varios ejemplares que conservo en mi librero, al palpar sus hojas amarillentas y pasar los ojos sobre sus historias, renació en mí esa idea de un mundo más sencillo, con héroes que aún inspiran a seguir su camino, no saltar edificios usando nuestra pijama como red, sino esa certeza de que una buena acción impulsará cientos más.

Siempre me han acusado de pesimista, sobre quienes han tenido la desgracia de leer mis esbozos de poemas, para abatir esa idea de una sociedad irremediablemente mordida por las violencia, agusanada y en vías de marchitarse, es que regreso a mis cómics, en ellos bebo ese idealismo que hace falta para regresar otra vez a la realidad y no morir abofeteado por ese olor a cadáver que lentamente se apuntala entre sus huesos.

Definitivamente a esa pregunta, la única respuesta nace de ahí. Cuando leemos no es necesario hacer un desplegado teórico o elaborar una cinta para desarmar el libro hasta sus estructuras mínimas, sino que podemos leer por placer, para entretenernos y aprender algo en el camino, con el cómic pasa lo mismo, los abrimos por placer.

Lamentablemente la edad hace que tengamos una justificación para todo, porque perdemos la niñez y ya no hay forma de abrevar en ella en los momentos en que estamos golpeados por la rutina. No necesito explicar más mi punto y quien aún se pregunte por qué leo cómics, dedique unos diez minutos de su tiempo para abrir uno y sumergirse en ese mundo, que talvez no dé consuelo, pero le permitirá creer que los ideales aún existen.

publicado en Por Esto! 26 de febrero de 2011

The Walking Dead: la humanidad al límite

2011-01-07T21:55:00.000-06:00

A lo largo de la historia del cine del siglo XX y principios del XXI hubo una explosión de películas de terror centradas en la figura de los zombies como promotores del Apocalipsis, seres humanos mutados a consecuencia de un virus, un experimento militar fallido, proveniente de otro planeta, sea el origen que quiera, sólo una cosa es cierta: la humanidad es llevada hasta el extremo de su moral y ética para sobrevivir.

Iniciado el género con George Romero con La Noche de los Muertos Vivientes, permanecen algunas constantes en la labor de muchos guionistas y directores, como sería sintetizar la civilización en un grupo de sobrevivientes que representan puntos de vista divergentes sobre las decisiones que deben tomarse para seguir con vida así como el peligro que entraña no los zombies, sino los mismos seres humanos que anteponen sus intereses personal a los colectivos.

La serie de televisión está basada en el cómic mensual The Walking Dead, escrita por Robert Kirkman y dibujada por Tony Moore, donde se narra la desesperación de un grupo de seres humanos ante el inminente Apocalipsis zombi y sus esfuerzos por sobrevivir en un mundo donde las reglas sociales se han torcido tanto, que lo peor que puede pasarte no es ser devorado por los muertos vivientes, sino caer en garras de otras tribus de supervivientes.

Tal vez la televisión no ofrezca muchas opciones interesantes hoy en día, sin embargo la serie que reseñamos tiene una estructura demoledora en cuanto a percepción del mundo social. Las prioridades han cambiado, el agua, la gasolina y la alimentación continúan siendo vitales para los hombres, la diferencia estriba en que son canjeadas por cajas de herramientas, piezas de refacción para vehículos o armas.

En el contexto de la serie, las relaciones humanas son efímeras y las decisiones que deben tomar en caso que un ser amado sea infectado, devastadoras. Las nacientes tribus urbanas recorren el país en busca de alimento entre los escombros, debido a que no pueden asentarse lo suficiente en un lugar, por los constantes ataques de los muertos vivientes. En ellas, la religión se transforma en un verdadero acto de canibalismo, sin simbolismos y la justicia es aplicada cuando ésta no afecta la capacidad de poder de los sobrevivientes, porque se necesitan todas las manos posibles para enfrentar una horda de zombies.

Pese a las dudas que tenían muchos lectores del cómic sobre la calidad de la serie, a más de uno dejó boquiabierto, porque los efectos especiales, la narración visual y la estructura de las secuencias son endiabladamente buenas. Inicia con el alguacil de policía, Rick Grimes, despertando de un coma en un hospital, a consecuencia de un balazo que recibió en cumplimiento de su deber, leyendo las inscripciones de la pared (no la abras, la muerte esta detrás), sale dando traspiés para descubrir una pirámide de cadáveres en el segundo piso del nosocomio, un ejército de moscas sobre la ciudad, tanques y vehículos abandonados, y sin comprender lo que sucede, se dirige a su casa para descubrir que su esposa e hijo ya no están. Ahí empieza la odisea del protagonista, que junto con él, iremos descubriendo que le pasó al mundo.

Después de varias aventuras, encuentros y desencuentros con grupos de sobrevivientes, logra llegar al campamento de un antiguo compañero de la policía. El único defecto que señalaría sería la imitación, al igual que muchas historias sobre el Juicio Final, es la radio de emergencia anunciando un paraíso en una frontera lejana, el giro lo da la muerte de la esperanza y el descubrimiento de que la explicación de la plaga, es que no existe ninguna, (en homenaje a la primera película de Romero, donde la causa de la infección es desconocida, ya que podría ser un virus hasta una contaminación extraterrestre), y con ese descubrimiento la semana pasada concluyó la primera temporada de la serie.

La serie promete giros argumentales diferentes a los plasmados en el cómic, cuyas primeras muestras en los seis capítulos que abarcó la primera temporada dejaron gratas sorpresas para los seguidores del género.

Quienes no han tenido la oportunidad de verla, esta semana repetirán toda la saga y es una buena oportunidad para adentrarse en un proyecto que promete mucho, ya que la muerte siempre ha estado detrás de la puerta, ¿tendrás el valor de abrirla?

Publicado en Por Esto!

Raúl Renán: un combate a muerte contra el espacio en blanco

2011-01-07T21:41:00.000-06:00

Existen momentos en que los recuerdos se agolpan como violetas obscuras sobre nuestro pecho, semillas de las que brota la nostalgia como remedio contra la desidia, y de ahí nace el asombro, ya que en literatura es la condición fundamental para atraparnos en lo que leemos, significa dejar atrás la monotonía y adentrarnos en un universo que dobla su estructura hasta que nuestra alma queda de cabeza, los sentidos destrozados y sólo queda la admiración ante un autor que sabe demoler nuestros cimientos, ese es el poeta yucateco Raúl Renán.

Tardíamente lo descubrí, lo admito, pero en parte tal vez fue lo mejor, porque después de leer Mi Nombre en Juego, honestamente me quedé atónito y con una sensación de imposibilidad para superar una estructura poética que se desdobla, se retrae y expande con la única finalidad de devorar el espacio en blanco, de romper los límites de nuestra lógica hasta que las palabras, como dicen sus poemas, sean accesibles a los lectores con vocación de fuego, aquellos que no tienen miedo a entrar de cabeza a la hoguera en que la palabra resucita con un nuevo significado.

Raúl Renán es un poeta exiliado que inició con un rechinar de dientes un universo poético que entiende mi orfandad, mis requiebros y que intuye las grietas por donde fluirá mi cólera. Con César Vallejo aprendí el compromiso del poeta con el mundo, de su incansable batalla para saludar al sufrimiento armado y Raúl continúa esa tradición de lucha desde la palabra y por la palabra.

Mi Nombre en Juego abre con un soneto que puede leerse en tres formas diferentes, son poemas trabajados para expandir el significado de cada verso, en los que la imaginación del lector será la guía y quedará a su elección cuál lectura elegirá. Existen cuadros e imágenes poéticas sobre momentos históricos, sobre autores perdidos en las venas del tiempo, pero el poema que capturó por completo mi atención está dedicado al Salmón, un poema que corre de abajo hacia arriba, representando la lucha por sortear los obstáculos que la vida pone frente a nosotros, un poema de una manufactura excelente y con una creatividad devastadora.

Hace poco conseguí en la feria del libro, en el Parque de las Américas, Cuadernos en Breve, de Raúl Renán (que el trabajo ha impedido que le hinque el diente), y Diálogos en Voz Baja, de José Francisco Conde Ortega, quien recopila las tertulias literarias, en las que la figura predominante es Raúl Renán. En ellas, nuestro yucateco es un hombre de libros y punto central en las reuniones de la colonia Roma.

Entre sus obras también destaca Emérita, poemas confeccionados sobre Yucatán cuya estructura juega con los símbolos locales, como la figura del henequén, de sucesos y emociones que despierta el terruño en la imaginación del exiliado, de quien ve la península como un espacio añorado, una amante ingrata que usa nuestros huesos para saciarse y después dejarnos a la deriva.

Mención aparte merece la labor que Raúl Renán hace como tallerista, porque muy pocos escritores tienen el don de enseñar sin contaminar la obra del escritor en ciernes con su propia voz. Tuve el privilegio que me revise unos textos pese a lo complicado de su agenda de trabajo, revisiones enfocadas a depurar el estilo poético, sin quitar contenido, sin ofender al autor, que en muchos talleres es práctica común primero destruir el espíritu de los jóvenes para después moldearlos a su imagen.

En este espacio quiero agradecer al destino literario por poner en mis manos los libros de un autor congruente entre su obra y vida, que enseña siempre con el ejemplo, modesto, sin falsas pretensiones ni deslumbrado por su fama.

Maestro Raúl, gracias por compartir esos combates contra el espacio en blanco que muchas veces llega a ser nuestra existencia y, sobre todo, por permitir que sus libros sean el oasis donde uno abreva en los momentos en que el desierto amenaza con borrar nuestra batalla contra la corriente.

Daniel y Ana: una propuesta vacía

2011-01-07T21:35:00.000-06:00

Con la celebración del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana, el cine mexicano experimentó un posicionamiento inusual en las carteleras y atrajo la atención del público, sin embargo muchas de las propuestas materializadas en pantalla decepcionaron a los espectadores.

Pese al gran financiamiento que requieren las producciones mexicanas, muchos de los directores desaprovecharon la oportunidad que significó el interés por lo nacional que despertaron las celebraciones patrias, produjeron películas tan al vapor, que pareciera que sólo querían cobrar el financiamiento.

Salvo El Infierno y Abel, que recuerdo ahora, hubo muchas decepciones en cuanto a películas en el último trimestre de este 2010, como el caso de Daniel y Ana, dirigida por Michel Franco y con las actuaciones de Marimar Vega y Darío Yazbek Bernal.

Los cortos promocionales generaron una expectativa intensa, prometía una revisión psicológica de un hecho que cambió para siempre la vida de dos hermanos, obligados a sostener relaciones sexuales entre sí por una red de pornógrafos. Dejando el morbo de lado, prometía una revisión de las relaciones familiares, la coexistencia entre los involucrados y la forma en que resolverían ese hecho tan perverso, sin embargo nada de eso ocurrió.

Para comenzar, el cine mexicano parece empeñado en mostrarnos las tragedias de las familias con dinero, tal vez para demostrarnos que ser pobres es lo mejor que puede ocurrirnos, porque aunque la película no lo dice abiertamente, en las primeras tomas aparece la cochera de los hermanos Torres con cinco vehículos, uno para cada miembro de la familia y la camioneta familiar; aunado a lo anterior, van a vacacionar a su casa de verano con alberca, jacuzzi, cuartos más grandes que las casas de interés social y se dan el lujo de regalarle a su hijo un coche nuevo al cumplir la mayoría de edad.

Con esos detalles, es imposible que nos apropiemos de la tragedia de los protagonistas. Las actuaciones tampoco ayudan a la trama porque los secuestradores son más educados que el ciudadano promedio, detestan la violencia y para rematar permiten que los hermanos vean sus rostros, sin pensar que pueden demandarlos y dar su descripción a la policía.

En el caso de los protagonistas convencen a momentos y en otros se acartonan, resultado de la ausencia de una trama enfocada a desarrollar la psicología de los personajes y cómo les afectó el incesto. Durante los 40 minutos que siguen a su secuestro no pasa nada, sólo escenas en sus carros llorando, encerrados en sus cuartos sin decir nada, ausencia de diálogos, cuando el director debió abordar la falta de comunicación de padres a hijos, la ausencia de la cultura de la denuncia, la búsqueda de puentes de comunicación para superarlo, cómo afectó al hermano esa situación en sus relaciones de pareja, en fin, explotar la riqueza narrativa de su propuesta y vincularla al plano psicológico, emotivo y social.

Advertencia: si no la has visto no leas este párrafo. Ante la falta de desarrollo psicológico de los personajes, no entendemos por qué después de arrepentirse Daniel por equivocarse de camino y ocasionar que los secuestren, viole a su hermana en la siguiente escena. No hubo una explicación de los sentimientos culpa-amor familiar-deseo por su hermana, un debate interno a cuadro que justifique ese acto, tal vez si el director se hubiera enfocado en esa triada, el resultado sería diferente.

Aunque la fotografía, promocionales, cortes visuales, iluminación, tiempo de las escenas y el diseño son excelentes, por sí mismos no significan el éxito de la película, porque el director no aprovechó esa riqueza para fusionarla con su historia. Una metáfora rescatable sobre la falta de comunicación es el muro que divide el recibidor de la sala, donde los hermanos sólo escuchan la voz del padre sin verlo, pero nunca ahondan en eso.

Los realizadores aseguran que la intención no es el morbo ni la polémica, en lo primero lo dudo al poner el aviso basada en hechos reales, por lo segundo con ese final previsible no crearon un ápice de discusiones. Para cerrar hubiera tenido más valor si hubiera denunciado a la psicóloga que contó el caso, por violar la confidencialidad médico-paciente.

Publicado en Por Esto!

I Coloquio de Comic

2010-11-20T00:44:00.001-06:00

LA INVENCIBLE NOSTALGIA

2010-11-04T22:21:00.000-06:00

Estoy consciente que la película “The Expendables” no será catalogada como una joya cinematográfica ni mucho menos un reto a la inteligencia del espectador. Sin embargo, debo admitir que como cierre de una etapa, representa el broche de oro perfecto, no sólo por la cantidad de veteranos actores de acción que aparecen, sino porque su argumento retoma todos los elementos de las películas anteriores para contarnos la última aventura cinematográfica de Estados Unidos en las selvas latinoamericanas.

Pese a lo sencillo de la trama, logró mantenerme pegado a la butaca y en ningún momento la acción decayó. Al contrario, fue una espiral de explosiones, madrazos, balazos y navajas volando que cumplieron su propósito de desconectarme de la realidad.

A mediados de los ochentas se configuró el héroe de acción de Hollywood, protagonistas duros y directos, curtidos en mil peleas de cantinas, con armas enormes y capacidad destructiva descomunal, películas donde el trazado moral esta delimitado sin ambigüedades y con una filosofía sencilla: los buenos ganan y los malos mueren. Definitivamente salimos de la sala fracturados por la nostalgia de una época que marcó a muchos de nuestros padres y revivió noches enteras cenando frente al televisor que brincaba en medio de edificios derrumbados y helicópteros destrozados.

Estrenada en 2010, The Expendables congregó a los duros del cine: Sylvester Stallone, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren y Mickey Rourke. Esa combinación es la propuesta de Stallone para que “las mujeres dejen de preguntar dónde están los hombres de verdad”, una referencia franca de un cine que ha adoptado los héroes estéticos, vaporosos y con más cremas que las actrices.

Ese encuentro de hombres acostumbrados a abrirse camino con la fuerza de sus bíceps y municiones, significó retomar los elementos y lugares recurridos en el género de acción de la vieja usanza. Los protagonistas viajan en grandes motos a través de una ciudad oscura, prostitutas envejecidas, talleres mecánicos y salas de tatuaje para presidiarios, paisajes urbanos cubiertos de oscuridad y botes de basura repletos. Estos son los paisajes de fondo donde se mueven los héroes, quienes a golpes y puñetazos defienden el honor de sus mujeres. De ese “paraíso” son expulsados a las selvas latinoamericanas, para derrotar a los dictadores y narcotraficantes de una isla extraviada.

Sin embargo, los nuevos elementos que aparecen en la trama al principio son imperceptibles, aunque después de reflexionar un poco nos percatamos de ello. En primer lugar andan en sus motocicletas con cascos, utilizan chalecos antibalas, respetan la realidad en los combates cuerpo a cuerpo. Por esa razón Jet Li no logra vencer a Lundgren, cuestionan sus actos y reconocen su discapacidad cultural.

Un elemento nuevo que aparece es un acto de honestidad para Estados Unidos: su intervención en los asuntos de Latinoamérica, porque precisamente un ex agente de la CIA es quien suministra el dinero para sostener al ejercito del dictador, son ellos quienes exigen que se plante la droga y son ellos los ejecutores de la matanza y la tortura que sufren los habitantes de la isla. Una honestidad brutal en congruencia con los héroes que plantea la película y su propuesta implícita es arriesgada: los enemigos de Estados Unidos no provienen del exterior, sino que de sus propias filas salen los arquitectos del terrorismo.

Finalmente, en Internet me encuentro con la declaración de los protagonistas: que si logran vencer a las grandes producciones de superhéroes que abundaron este año, regresarán con un nuevo proyecto. Si es así, no sería lo mismo, definitivamente para mí es un cierre y su última incursión cinematográfica. Espero que comprendan que a veces hay que irnos por la puerta grande.

Publicado en el Periódico Por Esto! 2 de noviembre de 2010

EL DERECHO A HUELGA DE ANTONIO MEDIZ BOLIO

2010-11-04T22:07:00.000-06:00

Por: Rodrigo E. Ordóñez Sosa

Presidente de la Red Literaria del Sureste

Buenos días a todos, estamos aquí reunidos para llamar al poeta a posarse en esta línea, como dice el maestro Raúl Renán. Sobre todo, porque he escrito estas palabras antes del incendio de la madrugada, las estoy leyendo con la ciudad teñida de ruido y el luto acechando en las esquinas; acabaré mucho antes que los obreros lleguen rotos a sus casas; y es con esos ojos que quiero hablar del escritor Antonio Mediz Bolio.

En 1907, cuando presentó la defensa de su tesis “El Derecho a Huelga”, arrojó los primeros dardos de sal a la diana de la Justicia, exigiendo lo que hoy tanta falta nos hace: unidad.

Al sumergirnos en ese libro para tocar sus paredes, enseguida comprendemos que es el poeta que arde, y, con su corazón de brasa, exige que todas las relaciones humanas estén regidas por el principio de solidaridad; comprende que el obrero debe rebelarse, por los salarios injustos o los horarios laborales excesivos; sin embargo, poeta siempre, don Antonio Mediz Bolio los exhorta a utilizar el derecho a huelga como último recurso, porque sabe que los más afectados son los obreros mismos.

Es por eso que nos dice que la huelga es “una espada de dos filos que hiere al inexperto que la empuña”, que emplea mucho esfuerzo sostenerla y la pérdida de la producción como resultado de la parada del trabajo. Por ello, exhorta a los patrones a mejorar las condiciones de sus obreros, que se preocupen por su educación y su salud, respetando sus derechos para evitar la violencia de clase.

Pero no condena el uso de ese derecho, sino que invita a agotar todos los recursos del diálogo, para lograr que el patrón entienda que durante una huelga no hay ganadores, porque él pierde su patrimonio, los obreros su sustento, y las familias su alimento.

El derecho a Huelga sería innecesario si las relaciones laborales estuvieran regidas por la igualdad, el respeto y el beneficio de ambas partes. Como el mismo señala en la defensa de su tesis: “los principios…de igualdad, de orden y de paz…triunfarán al fin, como han venido triunfando a través de los tiempos…a veces la pasión humana ha proclamado estos principios entre sangre y fuego, mal comprendiéndolos y mal ejercitándolos. Es cierto que la ambición, la soberbia y la crueldad, han llevado muchas veces falsas banderas redentoras”, pero siempre impulsando a dejar de lado esas pasiones que están hoy en día como clavos ardientes sujetando a la sociedad.

Como dije antes, poeta siempre y luchando por la esperanza desde cualquier trinchera, nos dice que asimilemos las ventajas de la civilización, que tengamos los ideales altos, que abramos nuestro corazón al amor que todo lo redime, para que caminemos con la cara de frente al sol, para que “calentando nuestras almas, ahuyentará de ellas la marchita heladez del egoísmo”.

Y es con esas ideas que alumbran nuestro sendero, con esas ideas que nos desbordan cuando miramos al mundo ahogado en la violencia, tan cotidiana ya, que la saludamos en cualquier esquina, es con ellas que sabemos que su legado esta vivo, tan vigente que rompe el luto y la tristeza de este día, porque el escritor continúa luchando a brazo partido a través de la inmortalidad de la palabra; siempre con la Literatura como cuerda tendida en medio del abismo.

Es por eso, que continuamos año con año reunidos frente a tu busto, para alejar el polvo, para que la única lluvia que descienda sobre tus hombros, sea la que nace de nuestros ojos; aquí estamos y aquí seguiremos, talvez estemos un tiempo más, talvez pronto te alcancemos, y cumpliremos nuestro anhelo de abrazarte.

Cuando le preguntaban por sus versos a un apreciado poeta yucateco, contestaba que los tenía reunidos en un libro llamado La Hoguera y a quienes lo buscarán les hacía una sola advertencia: sólo eran legibles a los cantores del fuego; y con esa idea en mente, Hermano Antonio, fue que recorrí tu Tierra del Faisán y del Venado, donde comprobé que sabe a lumbre, a incendio que no podrá contener el paladar más ártico.

GRACIAS

*Discurso Pronunciado ante el busto del escritor Antonio Mediz Bolio en la Plaza que lleva su nombre en el Centro Estatal de Bellas Artes, durante su LIII Aniversario Luctuoso.

Presentan libro “Palabra y reflexión” de Oscar Ortega

2010-09-10T23:19:00.000-05:00

Ayer se presentó el libro “Palabra y reflexión” de Óscar Ortega Arango, profesor-investigador de la Facultad de Ciencias Antropológicas de la Universidad Autónoma de Yucatán.

Los comentarios estuvieron a cargo de los poetas Rodrigo Ordóñez Sosa y Manuel Iris. El primero destacó que el autor es un excelente maestro porque motiva a sus alumnos a cuestionar y pensar, además de que convive con ellos.

Comentó que al analizar la riqueza de aportaciones presentes en el libro se destaca que la modernidad en Latinoamérica y la nueva visión del mundo nos dejan como herencia un alma desgarrada para resguardarnos de la tormenta, de ahí que una de las propuestas del libro es mirar hacia nuestro continente para estudiar y revisar sus producciones literarias.

Exhortó a los interesados en el tema a leer esta obra porque considera que es una plataforma que les permitirá responder los planteamientos del panorama literario actual.

Por su parte, Manuel Iris dijo que hay que leer esa obra de Ortega Arango para saber cómo escribir un ensayo.

La obra fue editada por el Consejo Editorial del Instituto de Cultura de Yucatán y el CONACULTA. Reúne un total de doce textos que presentan aproximaciones a discursos literarios latinoamericanos producidos desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la primera década del XXI.

Óscar Ortega Arango es Licenciado en Lingüística y Literatura por la Universidad Distrital “Francisco José de Caldas” de Bogotá, Colombia; cursó estudios de maestría en Literatura Hispanoamericana en el Seminario Andrés Bello del Instituto Caro y Cuervo; es Maestro en Literatura Mexicana por el Instituto de Investigaciones Lingüístico-Literarias de la Universidad Veracruzana de Xalapa, Veracruz, México. Recientemente, presentó su examen de grado en el Doctorado en Filosofía de la Universidad de Hamburgo (Alemania). Entre sus publicaciones están: “Villa y Zapata: Hombres en el papel” (2004), “Principios de interpretación del discurso literario” (2005) y “Género y representación” (2008); la colección de fascículos Educ-arte en género (cuatro fascículos) (2009), entre otros.

Publicado por Victor Lara en Por Esto! 10 de septiembre de 2010

“De la vida cotidiana para contar”, una interesante recopilación

2010-09-08T20:15:00.000-05:00

El Salón de Consejo de la Universidad Autónoma de Yucatán (UADY) fue escenario de la presentación del libro “De la vida cotidiana para contar”, de Jorge Luis Canché Escamilla, que fue presentado por los doctores Pedro Hernández Herrera, Carlos Bojórquez Urzaiz y Rodrigo Ordóñez Sosa.

El autor, profesor e investigador en economía, en entrevista comentó que su libro recoge una serie de artículos escritos a lo largo de varios años, exactamente en el período comprendido del 2003 al 2005, tiempo en el que continuó escribiendo notas relacionadas con la vida a manera de crónicas, las cuales ha tenido la fortuna de que fueran publicadas en diversos medios periodísticos, principalmente en los diarios POR ESTO! y Tribuna, ambos de circulación regional, el primero de Yucatán y el segundo de Campeche.

Mencionó también tener la suerte de andar en diversas actividades que se dan en la vida y realizarlas con pasión e interés, lo que ha dado lugar para conformar el contenido de su presente obra, por lo que ser un observador de la vida cotidiana, el deseo de compartir las experiencias adquiridas y recibir comentarios favorables a tales escritos ha motivado está segunda entrega.

Dijo tener en claro que las exigencias son cada vez mayores al tener el interés por la pluma y la conjunción de letras que se transforman en palabras, relatos o crónicas como las que ahora se presentan, por lo que empezar a escribir con regularidad en el género de la crónica ha sido sumamente complaciente, tanto que las satisfacciones del comienzo se han sumado día tras día y la posibilidad y oportunidad de escribir sobre el acontecer, la forma de hacerlo y comunicarlo, marca la diferencia entre el que quiere y puede hacerlo.

Durante la presentación, el Dr. Carlos Bojórquez Urzaiz señaló la escritura de Jorge Luis Canché Escamilla atestigua cuanto ocurre en el entorno en que se mueve, cuyas esencias las vincula a su constante añoranza por poblados como Halachó, lugar al que lo ligan elementos incluso consanguíneos, por lo cual allá está a cada rato y apoya sin ningún interés a los editores de una valiosa revista bilingüe, por lo que ocupemos la mirada en este libro que se presenta, tomando en consideración las cosas referidas, porque ellas son la atmósfera que explica esta hermosa colección de artículos que es seguro será del completo agrado de sus lectores.

El valioso comentario del Dr. Pedro Hernández Herrera señala el magnífico e interesante trabajo editorial que no solamente recrea la alegría de vivir, sino demuestra que la economía no está reñida con la escritura y la lectura.

Por su parte, Rodrigo Ordóñez Sosa, presidente de la Red Literaria del Sureste, comentó que las virtudes del autor son inigualables por la forma en que cuenta las anécdotas en su obra, la cual hace de manera fresca y juvenil, pero sobre todo es un rescate de la historia, en este caso de lo que es la colonia Sambulá, de cómo realiza un recorrido por todos esos juegos tradicionales que se han ido perdiendo, los remedios caseros de las abuelitas, todo ese universo que engloba desde la anécdota misma en sus relatos en el libro, además de los valores que resalta el autor, como las tradiciones familiares de cómo armar el muñeco de año nuevo y todo lo que hay alrededor, como estamos acostumbrados a verlos, que pasan desapercibidos y que son esas pequeñas semillas que nos van a dar el cimiento para nuestros recuerdos.

Publicado por Luis Tamayo en Periódico Por Esto! el 8 de septiembre de 2010

CHARLES BAUDELAIRE: LARGA VIDA AL REY

2010-09-06T11:20:00.002-05:00

El primer libro de poemas que tuve en mis manos fue “Las Flores del Mal”, del poeta francés Charles Baudelaire. Con una edición que incluía apenas unas 20 de esas preciadas flores me refugié en un café para leerlas hasta agotar el licor que desprendían. Con infinidad de líneas subrayadas y unas ligeras manchas en sus bordes, estuvo conmigo en los primeros años de la universidad, latiendo en mis manos cada vez que lo releía para comprender que la poesía es un acto lúdico, rebelde, combativo, que es la vida misma cambiando con cada frase; mientras más experiencia adquiría, los poemas se transformaban en un festín de significados.

En su 143 años de aniversario luctuoso efectuado el pasado 31 de agosto, el fundador del Simbolismo Poético creó una veta de exploración sensorial para los escritores a través de la teoría de “correspondencias”, que explica la vinculación entre los aromas y los recuerdos; también, la síntesis de un universo de ideas a través de un símbolo, la ambigüedad en la significación de sus textos catalogados en su época de inmorales, herejes y que un jurado determinó que debía suprimir seis poemas y pagar una multa de 300 francos.

Con el concepto de correspondencias expandió el universo conceptual de la poesía, utilizando la experiencia sensorial para entrelazar los recuerdos y la vida cotidiana en sus poemas. Asimismo, recurrió a la perturbación de los sentidos como metáfora del trastorno espiritual del hombre ante la llegada de la modernidad urbana e intelectual a París.

Posteriormente, publicó “Pequeños Poemas en Prosa”, cuyo tema central es la vida cotidiana de todas las clases sociales, así como continúa relatando su asombro ante la renovación arquitectónica que experimentó la ciudad con la creación de las avenidas, calles y edificios durante mediados del siglo XIX.

Ante una ciudad cambiante por enormes construcciones arquitectónicas, consolida su término Spleen, esbozado en su primer libro. Dicho concepto sintetizó un estado de ánimo que aglutinó la sensación de tedio, hastío y aburrimiento envueltos por una imperceptible tristeza que se niega a abandonarnos, la cual obliga a los poetas a salir a las calles a convertirse en un espectador de los males, la alegría y las derrotas de sus congéneres, pero siempre como un observador que no interviene ni interactúa con ellos, sino que sólo consigna la realidad a través de la poesía.

Acuñó el término “paseante” para describir sus largos paseos por los barrios y avenidas que le sirvieron para observar los cambios espirituales asociados a la renovación urbana de París. Entonces, la principal herramienta del poeta es la mirada, aquella contemplación que le permite conocer la discriminación de los desposeídos que ven desde las ventanas de los lujosos restaurantes a los clientes comer, ser testigos de cómo son echados del nuevo paraíso, verlos temblar de frío y peleando todos los días por un mendrugo de pan. Por ello, la crueldad utilizada en sus poemas tiene como objetivo despertar la indignación de los lectores.

Son muchas las aportaciones que hizo el poeta, desde el impacto de los avances tecnológicos en el pensamiento, el cambio de la concepción de ciudad o la doble moral burguesa; sin embargo siempre será reconocido por el compromiso social que demostró en sus obras sin que signifique sacrificar la belleza poética.

El vigor de su renovación estética sólo encontró un obstáculo: la sífilis. En marzo de 1866 la enfermedad le produjo un ataque de afasia y hemiplejía que lo mantuvo postrado y mudo en una cama de hospital hasta su muerte en agosto del año siguiente. Así, pese a que el rey ha muerto, su voz aún tiene larga vida.

Publicado en Periódico Por Esto! el 2 de septiembre de 2010

EL TERCER REINO: LA VIOLENCIA

2010-07-20T05:17:00.002-05:00

La lluvia persistente del domingo me recuerda mi temor de ahogarme, en un diluvio como lo describió Cintio Vitier, expulsado de mi paraíso artificial por fragmentos de hueso y chatarra. Siempre me atemorizó esa idea, por ello, me entretenía dibujando figuras indescriptibles, imprecisas, caóticas sobre la humedad de la ventana, pequeños conjuros para mantenerme a flote, sí, mi terror se transforma en tormenta.

En esas condiciones descubrí El Tercer Reich de Roberto Bolaño. Lo compré hace dos semanas y pospuse su lectura por diversos motivos, sin embargo, ante el panorama desolador que pintaba la lluvia, preferí iniciarlo, para sacudirme un poco esa tristeza instalada en mi casa.

Dos horas después y una lluvia menos, estaba inmerso en la complejidad de Udo Berger, un muchacho de 25 años de edad proveniente de Alemania, quien decide vacacionar en un poblado de España, aunque sin abandonar su deporte favorito: los juegos de guerra. Ahí en Costa Brava veraneaba con su familia y regresó con su novia Ingeborg, para fortalecer su relación. Durante un recorrido conocen a dos alemanes, Charly y Hanna, que los conducen al lado oscuro del poblado, representado por el Lobo y el Cordero, siniestros trabajadores de verano. También, están Frau Else, la encargada del hotel, el Quemado que insinúan es extranjero y cuyo cuerpo está desfigurado supuestamente por torturas que le infligieron los nazis.

La novela es un regreso al origen representado por un puerto vacacional de la infancia, compuesto por la seguridad que nos daban nuestros padres, los amores juveniles representados por Frau Else y los amigos que prometieron mandarnos cartas. Pese al deseo de Udo de encontrarse con la felicidad, irá descorriendo la fantasía hasta encontrarse con una realidad más oscura y amenazante. Donde su afición por los juegos de guerra desencadenará las claves de su destino.

Lentamente, Bolaño nos introduce al mundo del protagonista a través de la estructura de la novela, la cual es un diario de campaña que nos permitirá conocer el desencanto ante el derrumbe de la infancia, donde las alegres lloviznas ahora son tormentas que muestran la verdadera cara del poblado: fetidez emanando de las alcantarillas, cuerpos atestados en los bares, trabajadores malhumorados y los personajes que romperán con todo: el Lobo y el Cordero.

Ambos son alegorías de la ingenuidad y el salvajismo que imperan en el ser humano, su sola mención hace que el ambiente sea enrarecido con sus dobles insinuaciones y las aventuras desafortunadas que viven con ellos, donde la tragedia y los secretos irán develándose lentamente.

Como siempre, la lluvia será la constante en sus relaciones con los habitantes del poblado. Las primeras gotas los obligan a refugiarse en los bares alejados de la zona turística, conociendo el lado oscuro de la industria hotelera, e intrigados por la vida detrás de las recepciones y las barras de cantina, se hundirán hasta romper sus lazos de amistad.

Obsesionado con los juegos de guerra, Udo se distanciará de su novia al quedarse encerrado en el cuarto de hotel pensando en nuevas estrategias y escribiendo un artículo para las revistas especializadas. En esta situación conocerá al Quemado, un trabajador a quien introducirá a su mundo de juegos, con un final inesperado.

La novela permite al lector adentrarse en la nueva percepción de la vida que adquiere Udo, quien será convertido de un ser racional campeón de los juegos de guerra a un personaje desprovisto de certezas, paranoico, lleno de dudas y temores, con enemigos imaginarios ocultos en la forma de empleados de hotel, guardias de seguridad y socorristas de la Cruz Roja.

Al llegar al final de la lectura, contemplo el jardín de mi casa, donde mi hijo comienza a jugar con las primeras gotas de la segunda lluvia vespertina del domingo, con nostalgia pienso en el paso del tiempo. Leo el periódico con desgano, porque sé que muy pronto el agua podría convertirse en plomo, en una ráfaga de balas cruzando la calle hasta golpear los cristales, destrozando mis conjuros; me entristezco nuevamente, porque al igual que Udo, siento que el peligro acecha sin materializarse, por la violencia que recorre mi país, tal vez llegue mañana para convertirnos en un número más, fríos e insensibles abrazados bajo el aguacero de verano.

Publicado en el Periódico Por Esto! y Revolución con Letras

Juan Hernández Luna: un cadáver en la ciudad

2010-07-13T22:00:00.000-05:00

A los 47 años falleció Juan Hernández Luna, el pasado viernes, a las 15 horas, debido a un fallo renal. En sus obras reformuló los paradigmas del género negro, dejando que el misticismo y lo sobrenatural invadan las ciudades creadas a partir de la Nota Roja. Sus obras representativas son: “Tabaco para el puma”, “Cadáver de ciudad”. “Me gustas por Guarra”, “Tijuana Dream”, entre otras.

Precisamente, Cadáver de ciudad fue la novela que me acercó a su obra, en ella comprendí la Literatura Gore y las implicaciones de la violencia como metáfora de nuestra fragilidad. Hernández Luna obtuvo con Tabaco para el Puma, el premio internacional Dashiell Hammett, en 1997, como texto policiaco, mientras que Cadáver de ciudad es su continuación, en la que nos presenta una ciudad de estructuras golpeadas, de relaciones humanas vacías, satisfacción sexual a cualquier costo, representación de la destrucción física y simbólica del sujeto.

Cadáver de ciudad tiene como personaje principal a Skalybur, el Inmortal, quien en la primera novela desapareció al líder de una banda delictiva en plena catedral poblana, a través de un inverosímil truco de magia. Al concluir su sorpresivo acto, huyó hacia una playa olvidada en Baja California para autoexiliarse. Sin embargo, recibe un cheque en blanco a cambio de aclarar la castración de un millonario pervertido. Para develar el misterio, deberá sumergirse al mundo de la pornografía “dura” y la prostitución, manejado por sectas secretas.

La estructura del texto está articulada en 8 historias alternadas en cada capítulo, las cuales se irán entretejiendo. Así, expone la idea de ciudad muerta a través de la bestialidad de los protagonistas, en la descripción de la violencia contra las mujeres, la zoofilia, necrofilia, masturbaciones a la menor provocación, pedofilia, canibalismo, degradación y necrofília. Con una velocidad trepidante para impedir la sensación de asco u horror, las escenas cambian, los narradores de las ocho historias van mezclándose y los grados de violencia varían. Es por ello que en un cuadro vemos un asesino, mientras que la historia siguiente el protagonista tiene relaciones sexuales con un ganso decapitado.

El hilo argumental es sencillo y transcurre en forma lineal para exponer sin ornamentos la fragilidad del ser humano. No hay espacio para sacralizar la muerte a través del funeral, porque todos los cadáveres son disueltos, arrojados, mutilados o enterrados como fardos sin sentimentalismo ni lágrimas. El cuerpo literario sangra y convulsiona para entendamos que la mortalidad es inevitable. No importa descubrir quiénes están detrás de los crímenes, porque el texto sugiere que los espacios vacíos del poder en las sectas son ocupados inmediatamente; por cada psicópata muerto, surge otro. Entonces comprendemos que presas y cazadores tienen el tiempo contado, y son reemplazados sin que nadie los recuerde.

Después de todo, la estética propuesta por la Literatura Gore es que el ser humano carece del sentido de la supervivencia. Las novelas tienden a crear una atmósfera que sofoca al lector con narraciones detalladas e imágenes violentas, para recordarnos que la inmortalidad está basada en la ilusión de olvidar que la muerte acecha detrás de cada segundo.

El horror de la muerte en soledad nace desde la primera línea, cuando el primer narrador es abandonado por su esposa. Lentamente extermina todos sus recuerdos de su vida pasada al acabar con cada uno de los peces que su mujer le dejó como herencia, así los recuerdos se desvanecen. Sentimos no sólo el abandono de los personajes, sino la imposibilidad de restaurar la armonía del mundo.

Hernández Luna promovió el proyecto Literatura Siempre Alerta, taller puesto en marcha en 2005 con el objetivo de fomentar el gusto por la lectura entre los policías, rescatistas y bomberos. En el programa estuvieron involucrados los escritores Paco Ignacio Taibo II, Carlos Montemayor, Eduardo Monteverde, Alí Chumacero, Juan Villoro, y muchos otros. Siempre con la idea de acercarlos a la Literatura, tradujeron varios textos a claves policiacas, como el Quijote de la Mancha y Cien Años de Soledad.

El programa perteneciente a la Academia Mexicana de la Lengua, del Centro de Investigaciones y Docencia Económica, tuvo entre sus logros más destacados la consideración de incluirlo en la iniciativa Mérida como un método de capacitación policiaca. Una propuesta que truncó su repentina muerte.

Adiós querido Hernández Luna, al final siempre supimos que seríamos cadáveres en una ciudad plomeada hasta sus cimientos, con la esperanza que nuestro deceso reciba el encabezado principal de la Nota Roja, en vez de perdernos en uno de sus bordes.

Publicado en Periódico Por Esto! y Revolución con Letras 13 de julio de 2010

Moby Dick: el drama ecológico

2010-07-06T22:30:00.001-05:00

La multiplicidad de interpretaciones que genera una obra literaria al entrar al universo de los lectores, nos permite conocer su capacidad para abrir sus significados. Cuando leemos un libro nos apropiamos de cada palabra, y las explicaciones que brinde el autor son una guía, pero evidentemente la lectura final dependerá de nosotros.

Un ejemplo de lo anterior es Moby Dick, de Herman Melville, publicada el 14 de noviembre de 1851. Su aparición no representó un éxito literario, sino que muchos años después sería reconocida por su entramado simbólico, aunado a los conocimientos enciclopédicos y detalles que conservó en sus páginas sobre las técnicas de caza de ballenas, puntos de vista de la biología, religión y ciencia del siglo XIX.

El arco argumental podemos sintetizarlo como la persecución del capitán Ahab contra la ballena blanca que da nombre al libro. Hechos que son narrados por el protagonista Ismael, ofreciéndonos un retrato de las obsesiones que los impulsan. Junto con su amigo Queequeg vivirá en el barco Pequod para ganarse la vida como ballenero, travesía que acabará con el hundimiento del navío al enfrentarse la humanidad y la naturaleza.

Uno de los motores que impulsará al capitán a recorrer el mundo será la perseverancia, virtud que sostiene su mundo de obsesiones y la complejidad de su espíritu. Entre los elementos que rodearán y darán forma a la personalidad de los tripulantes estarán: la obsesión, la venganza, la religión, el idealismo y la entrega. Circunstancias que son puestas al límite en la inmensidad del mar y la obligada convivencia entre marineros conformados por voluntarios de diferentes naciones.

La metáfora destacada por los analistas del texto es el Barco como representación del mundo. Cómo se organizan y discuten diferentes puntos de vista dependiendo del origen de cada tripulante, los cuales son olvidados para alcanzar un beneficio común: la caza de ballenas como remuneración económica.

Umberto Eco postula que la obra literaria es un mecanismo perezoso donde el significado de las palabras e interpretación final están marcadas por los conocimientos que tenga el lector, su capacidad para asociarlo con otros contextos, las ideas vigentes de la época, los hechos recientes o la historia.

Así, actualmente leemos la novela y asociamos sus significados con las referencias que se han hecho en varios géneros literarios o televisivos hasta de los negocios. Esa resignificación de las palabras está latente en nuestra imaginación sin que lo advirtamos. Como es el caso de la cafetería Starbuck, cuyo nombre lo toman del primer oficial de la embarcación o en algunos diálogos televisivos que retoman la primera oración del libro para parodiar la obra.

Utilizar la perseverancia del capitán Ahab sirvió en la década de los 90s para retratar psicológicamente al agente Fox Mulder de la serie X-files. Las referencias a la novela son muchas: estrenada en noviembre, el nombre de la mascota de Dana Scully es Queequeg, el apelativo cariñoso que usaba su padre en ella era Starbuck, entre otras.

Ahora, su interpretación es dirigida al discurso ecologista y sus descripciones de la caza de ballenas como una crónica de la crueldad. Los protagonistas experimentan un cambio de valores porque pese a arrancarle una pierna al capitán y destrozar embarcaciones balleneras, será la alegoría de una especie resistiéndose a la extinción. Mientras, Ahab será el símbolo de una industria desprovista de valores e interesada únicamente en el beneficio económico, sin considerar el medio ambiente.

Así, la novela presenta posturas encontradas en todos los ámbitos sociales. Con un clásico como Moby Dick, redescubrimos el potencial que aún tienen esas novelas para ofrecernos una certera lectura del mundo y de nuestro presente, que desearían muchas obras escritas en la última década.

Publicado en Periódico Por Esto! y en la revista Revolución con Letras

IVÁN THAYS: EN ALGÚN LUGAR DE LA LITERATURA

2010-06-27T17:26:00.000-05:00

El regreso a la normalidad en la Literatura de principios del Siglo XXI significó para Jorge Volpi el cierre necesario para reinventar la narración a través de un análisis profundo de América y la inclusión del discurso latinoamericano en la visión del mundo global, sobre todo con la decadencia del Realismo Mágico.

Siguiendo esa lógica, aparece la novela un Lugar Llamado Oreja de Perro del escritor peruano Iván Thays, quien alejado del exotismo construye la complejidad de la realidad actual y su impacto en las relaciones personales. Con un tema aparentemente intrascendente, un hombre incapaz de escribir una carta-respuesta a su esposa Mónica para preguntarle por qué lo abandonó, el autor profundiza sobre las relaciones de pareja y reflexiona los estragos de la violencia, representados en el poblado Oreja de Perro.

No es extraño que a lo largo de la narración se desarrolle un combate contra la amnesia. El protagonista lucha con el miedo a despertar en medio de la calle sin saber quién es, sin percibir que su vida ha comenzando a vaciarse de la materia que alienta esos recuerdos, llegando esa amnesia tan temida a través de un mecanismo para conservarla: la palabra escrita, una carta y las anotaciones en su cuaderno.

Ese temor de su infancia lo obliga a extender el mítico hilo de Ariadna para recordar el camino a casa. Como adulto desarrollará un mecanismo semejante con la libreta que guarda en su maleta. Ahí, apunta todas sus ideas para redactar la carta, pero descubrirá a través de esas reflexiones que ya ha perdido todo.

Al llegar a Oreja de Perro deambula por sus calles sin motivación, porque sin esposa e hijo, pierde la materia de sus recuerdos. Comprende en un momento de abandono la similitud que tiene con un caso que cubrió para su noticiero y que inicia la novela: un hombre amnésico y los testimonios de los sobrevivientes de los combates, porque al igual que ellos la vida es una batalla contra el olvido.

No es casual que el protagonista sea un periodista desencantado. Con el objetivo de preservar en la memoria de la sociedad el último acto político del Presidente en turno y del éxito de ese movimiento depende la permanencia de su partido en el poder, el protagonista advertirá que perdió su capacidad para escribir.

Contrario al objetivo de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación de usar al poblado como símbolo de la pacificación y la reestructuración de una ciudad asolada por la guerra civil, a través de un programa de asistencia social así como la búsqueda de la verdad y la preservación de la memoria, el protagonista de la novela comprende que la memoria personal “es una espía”, desmantelándolo hasta convertirlo en un ser inseguro de sus propios decisiones.

Con una narración sintética, asistimos al descubrimiento de las historias personales de los personajes que irán tocando su vida: un amnésico que estudia chino, Scamarone que es un fotógrafo viejo y cínico, Jazmín, una muchacha embarazada, Tomás quien es un muchacho que lo persigue, varias antropólogas y militares. Sin embargo, pese a lo trágico de muchas de esas vidas, percibirá su propia indiferencia.

Como muchos escritores latinoamericanos después de la Generación del Boom, sus historias están desprovistas de referencias locales, son ciudades o pueblos sin rasgos exóticos, sin peculiaridades locales, al contrario, son espacios universales ya que esos problemas ocurren simultáneamente en todas partes. Todos estamos queriendo escribir una carta que no logra salir, porque hemos perdido mucho en los últimos años.

Al igual que muchos novelista, Iván Thays experimenta una nueva forma de narrarnos la realidad a través de los engaños que usamos para recordar. En esa novela breve descubriremos que los recortes de periódicos, las cartas, los videos y los testimonios no sostienen nuestra memoria, sino que la reemplazan hasta dejarnos fuera de nuestra vida y como espectadores indiferentes la vemos continuar desde un lado del camino.

publicado en el periodico Por Esto! y la revista Revolucion Con Letras.

EL FINAL DE UNA ERA

2010-06-27T17:00:00.000-05:00

Nunca he tenido padres, únicamente un puñado de libros que me sostienen a través de la mirada, que conforman mi columna vertebral con palabras, con vida y en constante asombro. Pareciera que la muerte es una estación de paso, un pequeño obstáculo que superar antes de estrellarnos de lleno con la nada.

Los grandes íconos de mi generación inician su descenso al reino del polvo y la niebla, revelándonos que hemos comenzado a morir lentamente junto con ellos, que ese aliento que mantuvo vivo a los combatientes en sus trincheras del siglo pasado están doblegándose ante el tiempo.

Con la muerte de Carlos Montemayor, José Saramago y Carlos Monsiváis asistimos a ese derrumbe. El año pasado nos dejaron el poeta malagueño Francisco González Pedraza, la poeta uruguaya Idea Vilariño, el escritor Mario Benedetti, el escritor de ciencia ficción J. G. Ballard, Mercedes Sosa, el periodista Baltasar Porcel, el escritor Jorge Enrique Adoum, el escritor y músico Jim Carrol, el escritor cubano Cintio Vitier, el antropólogo Claude Lévi-Strauss, entre muchos otros. Su desaparición significa el final de una etapa de combate a las grandes dictaduras, los guerrilleros, la Generación del Boom, del Medio Siglo y las ideologías que dividieron al mundo en dos bandos.

Considerado por Jorge Volpi como el último escritor latinoamericano, Roberto Bolaño también dejó su legado en la memoria de las jóvenes generaciones que necesitaban un ejemplo para romper la Literatura de los últimos años. Esta reestructuración del Siglo XXI apenas es una etapa de experimentación para continuar con el camino que nos legaron los grandes novelistas y poetas.

Un grupo de nuevos escritores luchan día con día para ocupar un puesto en los grandes vacíos que comienzan a avizorarse en el terreno. En todos los campos de la creación, el espectáculo y la música se ha iniciado el proceso de cerrar una etapa, dejándonos a la deriva y en manos de los sobrevivientes el reto de encontrar una nueva forma de expresarnos, de apropiarnos a través del lenguaje de una realidad violenta, apática y cínica.

Sin embargo, su legado no queda atrás e incinerados junto con el cuerpo de los escritores. Al contrario, es necesario releerlos, mirarlos nuevamente para evitar que sus detractores conviertan sus discursos literarios en fragmentos, frases sueltas fuera de contexto, como bien lo apuntó Milan Kundera, los grandes pensamientos son transformados en una síntesis, en imágenes para auto-engañarnos que conocemos su obra.

Que mejor forma de enterrar una obra literaria que explotando la pereza de muchos lectores. Un ejemplo importante de esa pulverización de los discursos es El Capital de Carlos Marx, la cual muchas editoriales vendieron, con notable éxito, versiones abreviadas, libros de citas, que muchos consumieron con voracidad para lanzarse a las calles diciendo que conocían el texto, cuando en realidad sólo sabían unas frases sueltas de un pensamiento complejo.

De antemano sé que esta advertencia no es necesaria para quienes ven la Literatura como una forma de entender la realidad, de recorrer los derroteros del alma, de sentirla como el mayor placer existente o como un escudo ante la incertidumbre del paso del tiempo. Talvez no conocí en persona a muchos de los escritores, pero muchas veces es mejor quererlos por su obra.

A todos mis muertos queridos que pueblan mi librero, que me han acompañado en las épocas de felicidad y desventura, a quienes con una frase exacta supieron evitar que el abismo nos devore irremediablemente, a todos ellos no les digo adiós, al contrario, seguiremos encontrándonos en las mesas de café, en las horas muertas, en los momentos más tristes, porque en ellos comprendo por qué los considero amigos verdaderos.

Jornada de homenaje al escritor Carlos Montemayor

2010-05-08T11:11:00.000-05:00

por: Víctor Salas

Carlos Montemayor tuvo una vida de letras y canto. Las letras le dieron una vida más allá de su prematura muerte. El cáncer lo consumió, sin embargo, su fuerza investigadora, su capacidad de acumular experiencias de sociedades antiguas en la contemporaneidad, que luego transformaba en novelas o en literatura etnolingüística, han hecho posible que todo él, con sus lentes cuadrados, pipa en labios, pelo ensortijado y peculiar tono de voz, permanezca entre nosotros, como si el día de hoy nos lo fuéramos a topar en algún céntrico café meridano, enfundado en una guayabera blanca, -que le iba muy bien-, a la espera de con quién platicar, que eso le satisfacía enormemente.
Visitaba Mérida y de ella el café Express. Ahí me lo encontré después de habernos conocido en el Distrito Federal, cuando el era Director de Extensión Cultural de la UAM y su instancia organizó el Primer Premio Nacional de la Danza, evento en el que participé y rechacé un segundo lugar que se me había ofrecido. Montemayor se enteró de mi osadía y me invitó a su oficina para tomar café y averiguar qué había sucedido conmigo. Waldeen y Ana del Castillo me confesaron que mi obra había conseguido tres votos, de los cinco jurados, pero que Cristina Gallegos y su Danza Libre Universitaria, tenían el apoyo del escritor y por eso las cosas habían quedado como quedaron. Montemayor me invitó a un programa de radio y me ofreció una entrevista en la revista de cultura de la UAM, en las que dije lo que me vino en gana. Era una forma de congraciarse conmigo. Muchos años después, al entrar en el Express, una voz me preguntó “disculpa, eres Víctor Salas?”, ¿Carlos Montemayor?, respondí. Nos reímos, me invitó a sentarme con él y recordar todo aquello.
El, ya era amigo de mi hermano Lorenzo. Nos vimos en una segunda ocasión y ya luego nos saludábamos a la distancia pues siempre andaba acompañado.
Bien. Por ese tipazo se efectuó la Segunda Jornada de Actividades en Homenaje a Carlos Montemayor, durante la cual, Juan Cristóbal León Campos, Manuel Tejada Loría y Rodrigo Ordóñez Sosa, seleccionaron partes de sus obras y escritos y las expusieron con una minuciosidad y extensión digna de reconocimiento. Era como escuchar una cátedra, a la cual nada más le tendríamos que sustraer, todo lo biográfico, parte sin embargo, fundamental de lo expuesto, pues en esas exposiciones nos enteramos de datos que explican su postura social.
Ir a la letra, es algo hermoso. Mostrarnos el resultado de ese encuentro, da emoción. Eso hacía Carlos Montemayor. Eso nos dijeron, con distintos prismáticos, Manuel Tejada, Juan Cristóbal León y Rodrigo Ordóñez.
Para hablar de su prosa se utilizó a Nadhiezda Camacho y Agustín Abreu, quienes leyeron a buen ritmo y hermoso tono de voz, fragmentos del ejército parrafal de Carlos Montemayor.
Antes de la liturgia de las palabras, se proyectó un video con imágenes del homenajeado cuyo fondo musical fue la propia voz del escritor, quien había sido cantante de ópera.
Jorge Cortés Ancona con el rigor que sabe imprimir a estos eventos, fue el moderador y tuvo, -por lo tanto-, la responsabilidad de situar a cada ponente en su justa actividad curricular.

Publicado en Por Esto! 30 abril de 2010

Carlos Moreno Medina: La Poesía Sepultada

2010-04-22T21:48:00.000-05:00

A mi padre en su primer aniversario luctuoso

Al terminar de leer unos esbozos de poemas en el Colegio de Bachilleres de Yucatán en el plantel Kanasín cuando en forma inesperada me llego un mensaje anunciando que mi padre había muerto, en los últimos versos de los Heraldos Negros de César Vallejo comprendí, por primera vez, la potencia de los golpes tan fuertes que anunciaban los bárbaros Atilas, cuyo andar es regido con paso fúnebre.

En la orfandad desesperada e inesperada, recordé el Taller de Literatura Yucateca impartido por el poeta Raúl Cáceres Carenzo, el cual me llevo de la mano para conocer a los escritores yucatecos sumergidos en el olvido. Así, en medio del luto y el hallazgo de un filón literario, al menos para mí, descubrí al poeta Carlos Moreno Medina.

Con una vida marcada por las carencias económicas, el alcoholismo y la literatura enredada en cada aspecto de su existencia, me solidarice con él, en muchas formas me recordaba a mi padre, quitando lo último, parecía que releía los 30 años que pasamos juntos, el hambre y las casas austeras en extremo, el rechinar de dientes al momento de pasar junto a las grandes mansiones. Al superar la interiorización de su biografía, descubrí que sus textos aún guardan un poder demoledor, un dolor tan humano, convertido en metáfora hiriente.

Los aportes literarios de Moreno Medina son perceptibles a primera vista, sus versos construidos a través de la modernidad y la naciente soledad del ser humano en un mundo diferente, en una ciudad que iniciaba su proceso de expansión hacia los cuatro puntos cardinales, con sus avenidas devorando el horizonte hasta convertir a Mérida en un bloque de concreto.

Sin embargo, su trabajo se ha diluido con el paso de los años, recordado únicamente por los conocedores de las letras yucatecas, sólo a través de aquel taller tuve conocimiento de su trabajo. Con el dolor y la pérdida amenazando con devorar mis bordes, leí su poema A Flor de Angustia, en el comprendí que “la vida descansa sobre la flor de la espuma”, y su fragilidad es la única verdad que evadimos.

Es por eso, que es necesario difundir y analizar los aportes que hizo el poeta yucateco a la literatura, y con ese objetivo como meta, la Red Literaria del Sureste-Nuestra América en coordinación con el Instituto de Cultura de Yucatán realizará la mesa denominada “Recordando al Poeta Carlos Moreno Medina”, en la cual se presentará una semblanza de su vida y obra, entre los participantes estarán Jorge Cortés Ancona, subdirector de Literatura del ICY, Rodrigo E. Ordóñez Sosa y el escritor Marco Antonio Rodríguez Murrillo, en el auditorio de la Biblioteca Manuel Cepeda Peraza éste martes 16 de marzo a las 19:30 horas.

La Red Literaria del Sureste decidió recordarlo para evitar que su obra poética continúe sepultada en el olvido, para evitar que la metáfora del frío, que tanto odiaba el autor, continúe apagando su voz, ya que su trabajo, descubierto y recomendado por José Revueltas hace varios años atrás, representa una nueva cara de la poesía, es un canto que redescubre no sólo las diferentes etapas del espíritu humano, sino de nuestra tierra.

El homenaje al poeta me obliga a regresar nuevamente a mi librero, para revisar los últimos autores que me han acompañado a lo largo del año, ahí Carlos Moreno Medina me recuerda, a través de sus versos, que el olvido es una presencia deshojada en la geometría del tiempo, columpiándose en la nostalgia, anhelando encontrar un modo de infiltrarse y borrar los últimos pasos que dio mí padre, para brindarle noche y cuerpo a la pena.

Publicado en el Periodico Por Esto! y en Revolución con Letras

INVITACIÓN

2010-03-13T19:48:00.001-06:00

Por este medio invito a todos los interesados a acompañame el próximo martes 16 de marzo a las 19:30 horas en la Biblioteca Manuel Cepeda Peraza para recordar al poeta yucateco Carlos Moreno Medina, quien ha caído en el olvido, es por eso queremos rescartarlo de la tirania del olvido. En la mesa participarán Marco Antonio Murrillo con la lectura de sus poemas, Rodrigo E. Ordóñez Sosa con una breve lectura de la semblanza de su vida y su obra, mientras que Jorge Cortes Ancona comentará las aportaciones que ha hizo a la literatura yucateca.

Los invito a todos y ojalá puedan acompañarnos en el rescate de un autor yucateco de la talla de Carlos Moreno Medina.

Poesía en Arizona

2010-03-13T19:30:00.000-06:00

Por azares del destino y gracias a Tomás Ramos, me enteró hoy día que durante la 13th Annual Spanish Graduate Conference se presentaron algunos poemas míos en la universidad de Arizona.

Acá un fragmento de parte de mis poemas que exhibieron en las mesas:

...Digo cuchillo

y mis versos mueren desangrados,

sobre su cadáver empuño el rifle

y monto guardia,

talvez mi país quiera romper mi puerta.

Como siempre Tomás gracias y me deja una grata sorpresa y alegría saber que parte de mis textos sean difundidos. Dejo igual unas fotos de las mesas donde estuvieron colocados los poemas, los cuales a manera de cuadros fueron puestos en las mesas.

LATINOAMÉRICA: FORJANDO UNA IDENTIDAD

2010-02-25T20:22:00.000-06:00

*Discurso pronunciado en el marco de la Identidad Latinoamericana y Caribeña por Rodrigo E. Ordóñez Sosa.

Buenos días a todos los que nos acompañan en la celebración del Día de la Identidad Latinoamericana y Caribeña.

Hace un tiempo, mientras leía una biografía de Fray Servando Teresa de Mier y Noriega, el autor desde sus páginas me formulo la siguiente pregunta: “¿hasta cuándo seremos considerados como seres paradisíacos y lujuriosos, criaturas de sol y agua?...¿hasta cuándo vamos a ser considerados seres mágicos guiados por la pasión y el instinto?”, ese cuestionamiento a más de ocho años de distancia continúa oscilando en mis pensamientos, sobre todo hoy en día, en que la globalización nos lleva de la mano, a los estereotipos culturales, simplificaciones de modelos étnicos y construyen personajes sin identidad desde la industria del entretenimiento y la literatura comercial. Es una duda razonable, porque los modelos culturales son el telón de fondo para representar caricaturas de los latinoamericanos y borra de un plumazo cualquier rasgo de dignidad e identificación entre nosotros.

José Martí con su ensayo “Nuestra América”, Andrés Bello con su poema “La Agricultura de la Zona Torrida”, el poeta yucateco Carlos Moreno Medina en su trabajo titulado “América”, nos exhortan a mirar nuestro continente a través de su grandeza natural, de sus jóvenes naciones, a mirarnos y reconocernos en nuestras creaciones culturales, a alejarnos de las imitaciones de los modelos occidentales y encontrar nuestro lenguaje, con sus formas y giros, para cimentar las raíces de nuestra identidad como latinoamericanos.

Históricamente mantenemos una batalla a muerte con nuestro pasado, centrados muchas veces en el hubiera, en qué hubiera sucedido si la conquista no se consumaba, emborronamos cuartillas plasmando una América diferente, cuando deberíamos usar esa energía en recobrar nuestro pasado prehispánico como cimiento para forjar un proyecto a futuro, partir de ese hecho concreto para reconstruir la esperanza de la identidad continental.

Ese proyecto a futuro debe trascender las fronteras políticas, porque son sólo eso, líneas impresas en los mapas para delimitar fríamente un continente. Porque si América cae herida, por la daga de la indiferencia y los localismos fundados en las contradicciones, es nuestro deber ir a buscarla, con el fusil de la razón en el hombro, para reconstruirla, cimentarla en la hermandad de sus pueblos, y entregarle lo mejor que podemos ofrecerles: la voluntad de cambiar el mundo.

Eso es lo más importante, pareciera que pese a su juventud, América está cansada, golpeada por guerras externas e internas, los desastres naturales, nuestras tambaleantes economías, la desesperación y la angustia, pareciera que hemos olvidado nuestro compromiso como seres humanos: entregarle a nuestros hijos un futuro, donde la ética y la congruencia entre la acción y el pensamiento sean los ejes rectores de su vida, donde la solidaridad con el sufrimiento de nuestros hermanos latinoamericanos esté presente en todo momento.

Haití es un ejemplo de los problemas que nos faltan por solucionar como latinoamericanos, debemos exigir que los abismos económicos que separan a una nación de otra sean abolidos, pugnar por una mejor política económica internacional, para que todos los países se desarrollen con igualdad de oportunidades, porque como lo expresó José Martí: “estos tiempos no son para acostarnos con el pañuelo en la cabeza, sino con las armas en la almohada…las armas del juicio que vencen a las otras”. Es tiempo de reconocernos en nuestras similitudes y diferencias, es tiempo de que seamos una Latinoamérica unida para afrontar hombro con hombro lo que el destino quiera arrojarnos.

Gracias

EL LIBRERO PERDIDO

2010-01-18T09:45:00.000-06:00

…el vigor del peregrino sólo admite plenitud de trayectorias.
Jorge Pech Casanova

Aún recuerdo el día que lo conocí, en una calurosa noche de abril mientras estudiaba en la facultad de Antropología, se acercó a nuestra mesa para conversar sobre los libros que lo apasionaban y su vocación de librero, pese a las adversidades y las escasas remuneraciones económicas que dejaba la Literatura para quienes vivían de promoverla, seguía ejerciendo su vocación. Su nombre, don Pepe Medina y librero por convicción, profesión que intercalaba con varios trabajos temporales para subsistir.

Nació el 8 julio del 1943 y ante el Registro Civil lo asentaron sus padres con el nombre de José de Jesús Herrera Medina, trotamundo sin más y con la peculiaridad de haber estado en los momentos históricos de Yucatán durante el auge de los movimientos sociales en 1970, haberse sentado a la mesa con los escritores de renombre de la época, haber regañado a los gobernantes en turno y con un libro de anécdotas siempre iniciado, pero que si no alcanzó a tocar el papel, se quedo grabado en todos quienes lo conocieron.

Era, fue y es un peregrino literario, inmerso en la búsqueda de ejemplares raros y libros imposibles de conseguir en las librerías de renombre, un hombre con contactos hasta los países más recónditos del mundo, quienes le enviaban volúmenes de poesía catalana, española, mexicana, yucateca y hasta en japonés. Exiliado en el Distrito Federal, repatriado por sus amigos y vuelto a lanzar por los caminos, mantenía contacto con todos los jóvenes en los cafés, en la Casa de Todos, donde ejerció un tiempo como saca borrachos, y adicto a la noche pese a sus 63 años de edad seguía implacable por las noches, impulsado por un insomnio frenético.

Estuvo cuando Ernesto Che Guevara a travesó Mérida clandestinamente y pernoctó a la espera de la Revolución. Estuvo hombro con hombro durante la euforia de los Sindicatos promovida por Efraín Calderón Lara. Siempre conservo sus historias en mi librero, aquel que ha comenzado a acumular muertos con el paso de los años, sin darle tiempo a la madera de esconderse en los tonos sepia del polvo.

Entre un centenar de anécdotas que escuchamos durante la madrugada, tal vez la más humana y la que recuerdo con más cariño, fue cuando nos encontramos en la Flor de Santiago con mi familia y tenías la barba de varios meses, mi hijo creyendo que eras Santa Clos se acercó a ti para darte la mano. Como siempre tu risa cálida, tu mirada desbordada por la alegría al escuchar su ocurrencia, lo sentaste junto a ti para escuchar su lista de regalos y acabar con un Feliz Navidad y un largo Jojojojo.

Algunos dicen que falleciste el pasado 10 de enero a causa de la diabetes, sin embargo, sé que usted debe hallarse recorriendo los confines de la ciudad, dando vueltas entre las tertulias de los cafés, y no es que haya muerto, sino sólo es un librero perdido que espera regresar a casa.

Como último adiós quiero leerte los versos de Elías Nandino titulado el Mundo y el Hombre:

Cuando naces,
nace el mundo.
Cuando mueres,
los dos perecen.

El tiempo que vives
el mundo dura
y los dos se apagan
en la misma tumba.

Hasta siempre don Pepe Medina, a usted que le apasionaban los libros y la literatura como forma de vida, a usted cuya risa estridente y andar por las calles sonámbulas ya formaban parte de la ciudad, no se preocupe por nosotros, sólo estaremos un rato más peregrinando por los días, pidiendo asilo a los años, y pronto nuestros caminos volverán a cruzarse.

Publicado en Por ESto! 13 de enero de 2010

Regalo Navideño

2009-12-25T17:24:00.000-06:00

Después de mucho penar por varias páginas de venta de cómics, mis esfuerzos por fin rindieron fruto y lo conseguí, saludos a todos.

Roberto Bolaño y las Grietas del Espíritu

2009-12-25T17:20:00.000-06:00

Toda la semana descansó Los Detectives Salvajes de Roberto Bolaño en una mesa al fondo de mi cuarto, al acercarme al libro, rememoré aquellos momentos que conservan su bálsamo contra la nostalgia así como impulsan la necesidad de hundirnos hasta la mandíbula en la Literatura. Para los críticos, sus textos carecen de un valor real o son narraciones de una clase media ahogada en el existencialismo o la desidia de las horas. Sin embargo, nos recuerdan sus páginas que algunos proyectos son quimeras que amenazan con devorarnos.

La nostalgia es una constante a lo largo de sus páginas, donde los personajes quieren reconstruir la imagen de un tiempo perdido, de los años en que los proyectos conservaban tal fogosidad, que pareciera que con desearlos, se materializarían, por imposibles que fueran. Recuperar es el verbo que impulsa la narración, recobrar la historia de la escritora Cesárea Tinajera oculta en los dobleces del tiempo y revistas empolvadas, recuperar la imagen de Ulises Lima y Arturo Belano, recordar un movimiento literaria de vanguardia, el realismo visceral, y, sobre todo, reencontrarnos y reconciliar nuestro presente con el pasado.

Para recuperar ese pasado, el narrador arma la historia utilizando como recurso narrativo los diarios personales y las entrevistas, crónicas y testimonios de quienes conocieron a los personajes, donde no hay historias reales, sino que el lector debe descartar las opiniones de los testigos y quedarse con las que le interesen. La estructura de la novela asemeja el flujo de los recuerdos, donde el orden cronológico es alterado y las fechas de las entrevistas varían en cada capítulo.

Volver a recorrer sus páginas es acercarse a la nostalgia, a la desesperación y a revivir cada logro y fracaso con la misma intensidad. Descansó el libro en una silla por temor a revivir en mí los días en la carrera, por estar nuevamente en el impulso de la juventud y miedo de vernos reflejados en cada uno de los narradores, negándonos sin misericordia. Talvez, como a ellos les ocurre, el tiempo escasea cada vez más, el cual dividimos entre las obligaciones laborales o familiares, borrándonos, obligándonos a editar la memoria, para olvidarnos que el arrojo con que combatíamos la desesperación de los días, ha perdido su brillo.

Leerlo es darnos cuenta que nuestro pasado tiene muchas trampas y cada vez más olvidos, que reconstruimos nuestra historia para evitar la nostalgia, evadir la culpa que sentimos cuando recordamos la alegría de los días que se fueron. Los autores que se esconden en el polvo de los estantes, contienen un fragmento del pasado, que continúa latiendo en alguna palabra o verso, que espera con paciencia para descarrilarse en nuestro cerebro, hasta chocar con la neurona exacta para incendiarnos.

Es posible que la nostalgia sea una enfermedad, o el hecho que odie diciembre influye en mi necesidad de ver el libro con extrañeza, y para otros lectores les cause emoción, les sirva de guía para armar sus proyectos. Realmente no importa, cualquier interpretación es válida, una vez impreso el libro, los caminos que recorre son muchos, y las emociones que despierta son variadas.

Quisiera, como ellos, hablar del libro esquivando la tristeza inmanente de sus páginas, correr en zigzag para bordear nuestra desesperación por librarnos de la búsqueda de las piezas que hemos dejado atrás con el paso de los años, pero al hacerlo, perdería el deleite que me produce la novela, me perdería su capacidad de despertar sensaciones olvidadas, y el placer de apropiarnos de la narración como historia de vida. Las 600 hojas del libro aún conservan su filo, mientras que su tinta se filtra como una llovizna en los pensamientos del lector, hasta ahogarlo por completo.

Publicado en Por Esto! el 22 de diciembre de 2009

Poe: 200 años en el Imaginario Colectivo

2009-12-25T16:50:00.000-06:00

Poe: 200 años en el imaginario colectivo
Por Rodrigo E. Ordóñez SosaA 200 años del natalicio y 160 años de su fallecimiento, el escritor norteamericano Edgar Allan Poe permanece vigente en la conciencia literaria y en los medios masivos de comunicación. Sus aportaciones, los misterios en torno a su muerte y los cuestionamientos en torno a la universalidad de su obra siguen atizando a sus defensores y detractores en un combate que dialoga no sólo con los creadores de hace un siglo, sino hasta con los críticos literarios modernos.El escritor nació en Boston el 19 de enero de 1809 y murió en Baltimore el 7 de octubre de 1849. Entre sus aportaciones se encuentran la creación del relato corto, la creación del género detectivesco, modernizar el género gótico con sus cuentos de terror así como contribuyó a la novela de ciencia-ficción con varios de sus cuentos.El padre de la poesía simbolista francesa, Charles Baudelaire, tradujo sus escritos y lo difundió en los círculos literarios europeos. Principalmente, impactó la forma de concebir el amor como un tributo a la muerte, sus relatos detectivescos, sus poemas impregnados de remordimiento, melancolía, de asesinos y seres sobrenaturales que deambulan en el alma.Siempre que releo las obras de Poe, la primera imagen que me remite su biografía y sus escritos es el cuadro de Francisco de Goya titulado “El sueño de la razón produce monstruos”. Sumido en el papel, deshebrando cada una de las visiones que lo asolaban en las horas de insomnio, en el sopor etílico y en sus reflexiones en torno al remordimiento.A propósito de las reacciones que ha desencadenado el escritor en los principales autores canónicos, la Red Literaria del Sureste y el Instituto de Cultura de Yucatán iniciaron el pasado martes 18 de noviembre las jornadas literarias en homenaje al escritor, con el objetivo de debatir las aportaciones de su obra. En la Facultad de Economía inició el evento con una mesa panel denominada “Edgar Allan Poe en los Medios Masivos de Comunicación”, a cargo de los escritores y analistas José Francisco Castillo Baeza, Raúl Pérez Navarrete y Judith Buenfil.En esa mesa se discutió sobre la influencia que ha ejercido en los medios impresos, como son los cómics, la televisión, los grabadores como Gustave Doré y en las series televisivas. Los escritores destacaron que una de las principales características del autor son sus imágenes en sus textos, narraciones cargadas de efectos visuales y que han contribuido a formar todo un legado en los medios masivos de comunicación.Por su parte, en el Teatro Mérida en la Sala de Arte el maestro José Ramón Enríquez durante su ponencia “Edgar A. Poe y su Influencia en el Simbolismo Francés” destacó la controversia en torno a la figura de Poe, diatribas que se han vertido como la del crítico literario Harold Bloom o Jorge Luis Borges así como refirió a sus defensores como Julio Cortazar, quien tradujo su obra como lo hizo Charles Baudelaire a mediados del siglo XIX.Asimismo, el miércoles en la mañana en el COBAY del plantel Kanasín la ponente Alma Concepción Córdoba Ayala ofreció a los alumnos una conferencia sobre los aportes de Poe a la Literatura, una semblanza de su vida así como acompañó su presentación con la proyección de la película “Historias de Terror”. Mientras que en la noche en la Sala de Arte del Teatro Mérida se proyectó la película “La Máscara de la Muerte Roja” con los comentarios de Miguel Ángel Civeira sobre la influencia que ha ejercido Poe en el cine, la fascinación de sus historias por los directores, casi desde la aparición del llamado Séptimo Arte.El jueves 19 de noviembre en la Facultad de Antropología Carlos Castillo, en coordinación con la maestra Margaret Shrimpton, harán una lectura bilingüe del Cuervo así como una mesa panel titulada “La Experiencia del Lector Contemporáneo ante la Obra de Poe”, a partir de las 12:00 hasta las 14:00 horas. Los alumnos discutirán las aportaciones y cómo percibimos hoy en día sus relatos de terror y las ramificaciones en los diversos géneros literarios.Las jornadas literarias concluirán con una mesa panel titulada “Pasión y Racionalidad en Poe” a cargo del maestro Jorge Cortés Ancona, Ricardo E. Tatto, Miguel Ángel Civeira y Rafael Gómez Chi, donde se examinará la importancia de su creación literaria, sus obras excepcionales y la precisión matemática con que escribía sus textos.Edgar Allan Poe es un escritor relevante en la Literatura hoy en día, porque pese a que muchos no han leído sus poemas, cuentos o novelas, tienen, sin saberlo, conocimiento de esos relatos, debido a la utilización que la televisión, los cómics o películas han hecho de sus relatos. Sus aportaciones y críticas, los debates candentes en torno a su figura, su alcoholismo permanecen vigentes así como la forma en que hizo del escritor un oficio remunerado, mal o bien pagado, pero que permitió a los artistas una forma de continuar luchando por renovar la estética y diversificar las posibilidades de la palabra escrita.

Publicado en Por Esto! 19 de noviembre de 2009

Historia Breve del Cómic Mexicano

2009-12-25T16:46:00.000-06:00

En México los cómics tienen una larga tradición en la creación de personajes construidos culturalmente con el imaginario mexicano. Como parodias a la ideología imperante en su momento histórico, utilizando los usos y costumbres como herramientas para realizar una crítica de nuestra forma de vida. Es por ello que temas como la corrupción policíaca, los vicios de la política, nuestra facilidad para creer en lo sobrenatural, la brujería y los chismes convertidos en verdades, son parte del mundo narrativo planteado por los autores, crean la atmósfera y operan como reglas inamovibles para sus personajes. El género entró en el panorama cultural a partir de 1934 con revistas como Paquito o Pepín, las cuales formaron parte de la vida de miles de jóvenes y niños. Como muestra de su aceptación en el país, Pepín tenía un tiraje diario de 700 mil ejemplares, mientras que los domingos duplicaba su producción. Sin embargo, sus lectores disminuyeron a principios de la década de 1950 cuando la Editorial Novaro introdujo y reimprimió cómics norteamericanos, como Spiderman y Superman, aunque el éxito sería breve, porque la censura que hubo en torno a las historietas norteamericanas acabo por alejar a los lectores mexicanos.Ese período histórico conocido la Edad Oscura del cómic norteamericano comprendió de 1950 a 1961. Como consecuencia de la censura a los creadores, editores y dibujantes impuesta por el Comic Code Authority, los personajes de las historietas debían resaltar los valores familiares, el patriotismo, eliminar la utilización de armas, evitar temas delicados como las adicciones, el narcotráfico, la violencia así como utilizar un lenguaje “colorido”, similar a las caricaturas, lo cual hizo que los argumentos sean flojos, infantiles y muchas veces sin sentido. Todas esas reformas se debieron a la demanda de padres de familia y grupos educativos, influenciados por el libro Seduction of the Innocent del psicólogo Fredic Wertham, quien culpó a los cómic de la criminalidad infantil. Irónicamente, ese contexto adverso para las principales empresas editoriales de Estados Unidos, catapultó el consumo de las ediciones mexicanas de cómic entre 1950 y 1960. Durante ese período surgieron las revistas de Hermelinda Linda, La Familia Burrón, Los Supersabios, El Chahuistle, Los Supermachos y Los Agachados. Narraciones dedicadas a la parodia política, los enredos de vecindad, críticas sociales y denuncia. Así, pese al auge que experimentaron, durante 1970 desaparecieron muchas de ellas, quedando en los puestos de revistas El Libro Vaquero, Sensacional de Luchas o Los Chafiretes. La excepción en ese período fue Kalimán, el Hombre Increíble creado en Radioteatro en 1963 por Rafael Cutberto Navarro y Modesto Vázquez González, y, dos años después, sus aventuras comenzaron a publicarse semanalmente durante los 26 años que duró su revista. Dicho personaje combinó varios géneros en sus historias, como la ciencia ficción, el terror, la mitología, la fantasía y las aventuras. Con lo cual captó un número de seguidores elevado, tan grande era la legión de sus seguidores que publicó arriba de 1300 números sin interrupciones, así como impactó la cultura con la famosa frase “Serenidad y Paciencia”, que hasta hoy en día es utilizada. A la par de Kalimán, en los años 70’s circuló la historieta de Fantomas, la Amenaza Elegante, un personaje con la filosofía de Robin Hood. Utilizaba tecnología de punta para cometer robos espectaculares a personas deshonestas, pregonaba el cuidado del medio ambiente y combatía las desigualdades sociales. Como dato extra, en cada uno de sus números incluían citas de filósofos, novelistas, poetas, historiadores y hombres ilustres. Una revista que gozó de gran popularidad en México y toda Latinoamérica.Fue hasta 1980 cuando el mundo del cómic experimentó una renovación con la aparición de Karmatrón y los Transformables. La narración marcó una época entre sus seguidores gracias a la integración de los elementos esotéricos, prehispánicos, tecnología y filosofía oriental en la construcción de sus personajes y tramas. Quizá muchos recuerdan sus instructivos para el viaje astral, la meditación, el respeto a la vitalidad del universo, el redescubrimiento de nuestras raíces indígenas, y, como olvidarla, la energía Kundalini y los viajes interplanetarios. Todo un legado para una generación que nació después de la represión política, policíaca y generacional de los años 60’s y 70’s.En la década de 1990 revivió el interés de los lectores por el género gracias a la aparición del especial La Muerte de Superman. Como consecuencia de ese hecho, los creadores mexicanos comenzaron a organizarse y crear sus propias firmas editoriales para lanzar sus obras, aprovechando los espacios creados por las tiendas especializadas en la materia, las cuales se multiplicaron vertiginosamente por esas fechas.En el país, los estudios de creación dedicados al cómic florecieron a partir de 1994, con la creación de Cygnus Studio en Monterrey. Cuna del primer cómic de la época moderna: Ultrapato de Edgar Delgado. A esa revista le siguieron sus secuelas Valiants y Lugo en 1997. Asimismo, estuvo el Estudio Entropía con Xiuhcoátl, la Serpiente de Fuego. Además, hubo creadores independientes como Polo Jasso con Cerdotado, cuyo trabajo lo distribuye a través del sello Psycomix.Además, hubo escritores como Edgar Clément con su Operación Bolivar y Bachan con El Bulbo, quienes retomaron los elementos de la tradición anterior para crear una nueva corriente de superhéroes identificados con la cultura mexicana. Con esos trabajos se inauguran nuevos derroteros en la concepción del cómic en México. Al adentrarnos en esos universos narrativos, descubrimos que el talento no sólo reside en Estados Unidos. BIBLIOGRAFÍA Garza, Héctor C. “El Batman de la Edad Oscura” en: Batman. Editorial Vid, México, número 281, 15 de Febrero de 1999, página 6.Valenzuela, Armando. “Breve Historia del Comic Mexicano” en: El Correo del Maestro. Revista para Profesores de Educación Básica. Uribe y Ferrari Editores, México, número 50, Julio del 2000, s/página.

Publicado en la Revista Soma

Arranca Semana Cultural en honor del líder socialista

2009-12-25T16:26:00.000-06:00

Con una mesa panel sobre la obra de Felipe Carrillo Puerto arrancaron las actividades conmemorativas del natalicio de Felipe Carrillo Puerto, en cumplimiento del decreto emitido el año pasado por la gobernadora Ivonne Ortega Pacheco.
El encuentro académico, que tuvo como sede el Salón de Consejo Universitario de la Universidad Autónoma de Yucatán, contó con la participación de Jorge Mantilla, profesor investigador de la Facultad de Ciencias Antropológicas de la UADY; Freddy Espadas Sosa, profesor investigador de la Universidad Pedagógica Nacional; Jorge Canto Alcocer, investigador del Instituto de Cultura de Yucatán, y Rodrigo Ordóñez, también de la Facultad de Ciencias Antropológicas de la citada casa de estudios. El moderador de la mesa fue Carlos Bojórquez Urzaiz, profesor investigador de la misma Facultad de Ciencias Antropológicas.Jorge Mantilla abrió la mesa con una presentación en la que puso de manifiesto el carácter eminentemente reivindicatorio del proyecto de Carrillo Puerto. Hacer justicia a la etnia maya, vilipendiada, sojuzgada, cruelmente explotada durante siglos de colonialismo y dominio oligárquico, fue, a decir del ponente, el objetivo primordial del líder socialista. Incluso llamó a su propuesta política un “socialismo maya”, dada la importancia que para su propuesta revistió la cultura originaria de las tierras del mayab.Freddy Espadas, por su parte, resaltó la obra educativa del político motuleño, particularmente la innovadora propuesta de la escuela racionalista, enfrentada rabiosamente con el clericalismo tradicional. Espadas claramente distinguió el proyecto racionalista de Carrillo, encabezado por el maestro José de la Luz Mena, de los cambios impulsados por el gobierno de Salvador Alvarado, que si bien fueron presentados también como racionalistas, mas bien se encuadraban dentro de la escuela Montessori, Canto Alcocer planteó la trayectoria del proyecto político de Carrillo Puerto, desde su génesis en las filas conservadoras del grupo político de Francisco Cantón Rosado, hasta la maduración de su propuesta, la cual calificó de excepcional dentro del universo de la Revolución Mexicana, particularmente por las reivindicaciones hacia lo indígena y la mujer. Asimismo, resaltó que muchos de los líderes que apoyaron a Carrillo durante su vida, le dieron la espalda al proyecto luego del asesinato del líder, misma actitud que asumió el gobierno obregonista.Rodrigo Ordóñez cerró la mesa, en cuanto a las presentaciones, con una reflexión sobre las implicaciones del proyecto carrillista en la literatura, particularmente como germen del indigenismo. En este sentido, Ordóñez destacó las obras de Antonio Mediz Bolio, Ricardo Mimenza Castillo y Luis Rosado Vega, tres autores que supieron rescatar y reivindicar la identidad indígena, en plena comunión con las propuestas políticas de Carrillo Puerto.Al término de las presentaciones, Bojórquez Urzaiz realizó una síntesis de las propuestas y cedió la palabra a los asistentes, que interactuaron con los panelistas de manera entusiasta. El Dr. Manuel Sarkiszyanz hizo notar el extraordinario paralelismo entre las figuras de Carrillo Puerto y Lázaro Cárdenas; el Lic. Gaspar Gómez Chacón señaló que existen muchos aspectos poco estudiados del carrillismo, y que es necesario abordarlos cuanto antes para comprender mejor a este protagonista fundamental de nuestra historia.Previo al evento académico, se inaugurño la semana cultural conmemorativa del natalicio de Felipe Carrillo Puerto. La ceremonia inició con las palabras de bienvenida del Dr. Alfredo Dajer Abimerhi, rector de la Universidad Autónoma de Yucatán, quien señaló el enorme orgullo con el que la UADY retoma día con día el legado educativo del prócer Carrillo Puerto, y agradeció al gobierno del Estado la invitación para participan en las actividades en memoria del fundador de esa casa de estudios. Posteriormente, el Dr. Raúl Godoy Montañez, con la representación de la gobernadora del Estado, Ivonne Ortega Pacheco, resaltó la importancia del decreto que impulsa la difusión del pensamiento y acción de quien fuera asesinado por defender al pueblo yucateco, y agradeció la participación de la UADY y de los distintos sectores sociales que se han sumado a esta importante labor. Finalmente, el Dr. Godoy declaró inaugurada formalmente la semana de actividades.Formaron parte del presidium del acto el abogado Ángel Prieto Méndez, presidente del Tribunal Superior de Justicia del Estado, y Renán Guillermo González, director general del Instituto de Cultura de Yucatán.

Publicado en el periódico Por Esto!

CAPITÁN AMÉRICA: LA METAMORFOSIS DEL DISCURSO POLÍTICO

2009-08-26T10:22:00.000-05:00

Por falta de tiempo, envíe éste trabajo cuando ya había cerrado la convocatoria de la Revista Replicante, sin embargo, se encuentra el texto en la sección virtual Replicante Plus ! Esperemos que en la siguiente edición logré entrar mi crónica. Saludos y a continuación el texto:

El Capitán América es un anacronismo para la empresa Marvel Cómic actualmente, porque representa una filosofía y un código ético alejado de la nueva realidad en Estados Unidos. Por ello, los editores decidieron sacarlo de circulación creando una historia que justifique su asesinato, aunque previamente expusieron detalladamente la rigidez que tiene como símbolo y su imposibilidad para representar a una nación que pugna por el fortalecimiento de las políticas de seguridad pública y un cambio en las relaciones internacionales.

Creado en 1941 como contrapeso ante el pesimismo imperante en la juventud por los millares de muertos durante la Segunda Guerra Mundial, el superhéroe fue ideológicamente ensamblado con un nacionalismo férreo, el respeto por las libertades constitucionales y la certeza de materializar el sueño americano. En otras palabras, en el cómic representó el optimismo en las filas de las tropas aliadas que combatían en el frente de batalla en territorio europeo.

Los autores Jack Kirby y Joe Simon lo concibieron desde su origen con los valores que hoy lo caracterizan. Pese a la muerte de su padre y la pobreza de su familia debida a la Gran Depresión Económica, en su infancia sobresalió por carecer de un resentimiento contra la pobreza y las políticas de Estado para contrarrestar los efectos de la Gran Depresión. Al contrario, preocupado por el avance de los nazis y sus proyectos de depuración racial, decide enlistarse en el ejército para combatirlos. Rechazado por reprobar el examen físico para pertenecer a la milicia, decide enrolarse como conejillo de indias en el proyecto Renacimiento, encargado de crear soldados alterados genéticamente y convertirlos en seres humanos perfectos, combatientes que acaben con la guerra evitando cualquier baja.

En contraste con los horrores de la guerra, el código ético del Capitán América, al igual que todos los superhéroes que componen la mitología de las historietas a mediados del siglo XX, tenía la convicción de no matar. Así, era un soldado que no portaba armas, ni mataba o asesinaba, sino que vencía a sus enemigos en combate físico, para entregarlos y someterlos a juicio. Su conducta permitía borrar la perspectiva de la muerte en el cambo de batalla y reforzaba los valores en una sociedad estadounidense aterrada ante la posibilidad de un ataque a gran escala en su territorio.

En el cómic el aspecto visual es trascendental, no sólo por la narración visual de la historia presentada, sino porque refuerza el contenido de la ideología imperante en la ficción. Por tanto, las primeras historias están construidas en tonos opacos, para resaltar el uniforme a colores del Capitán América. Adicionalmente, el diseño del traje impulsa el nacionalismo, porque es la bandera estadounidense estilizada, con la estrella en su pecho y los colores azul, blanco y rojo en el área abdominal, asimismo, en las sienes tiene las alas del águila. A través de sus acciones, los lectores asocian esos colores, las barras y las estrellas como un símbolo de la libertad y enemigo de la injusticia.

Él mismo es una síntesis de la filosofía proteccionista de Estados Unidos, adoptada a mediados del siglo pasado. Desde 1883 la Doctrina Monroe (“América para los americanos”) evolucionó hasta las políticas intervencionistas de Estados Unidos en territorio latinoamericano. Un aditamento que representa esa construcción ideológica es el escudo que lo caracteriza, con los mismos colores de la bandera y la estrella en el centro. Simboliza ese deseo de defender los intereses estadounidenses, reforzado esa noción como una virtud al concederle la propiedad al escudo de ser virtualmente indestructible.

En un análisis detallado de la construcción del personaje, es posible retomar de la semiótica literaria el concepto de ideologema. Porque representa una función intertextual materializada en las diferentes estructuras de un texto y condensa el pensamiento de una sociedad en un momento histórico. De tal forma significa el contenido ideológico narrativo, que la estructura visual presenta en las primeras historietas mantiene una atmósfera de tonos negros, rojos y amarillos, los cuales resaltan los colores de su uniforme así como refuerzan las virtudes del héroe.

En el cómic los elementos visuales representan un importante soporte para las estructuras narrativas, permitiendo la plasticidad del discurso y evita que el narrador explique cada movimiento de los personajes. Con la peculiaridad que las historias perfilan en la estrategia narrativa concebida a su lector modelo con conocimientos enciclopédicos sobre las historias narradas, seguidor de la continuidad de cada número, el reconocimiento de los personajes principales y secundarios. Entre los lectores norteamericanos es posible una mayor comprensión de las historias tratadas, porque en el fondo tocan temas primordiales para las políticas de Estado, incorporadas y adecuadas a la ficción del cómic.

Las traducciones al español de las historias originales llegan a México con un año de atraso en relación con la continuidad estadounidense, por ello, el contexto y el trasfondo político se diluye. En los últimos años, las narraciones del cómic abordan temas políticos y las iniciativas de ley propuestas para reformular políticas de seguridad pública eficaces en el combate al terrorismo. Aunado a lo anterior, plantear nuevas medidas de prevención delictiva supone cambios en las libertades individuales. Principalmente el libre tránsito, la acumulación de armas, y estrictos controles vehiculares y aéreos, que son las libertades fundamentales defendidas por el Capitán América.

Es innegable que la nueva ideología en Estados Unidos a partir del atentado a las Torres Gemelas, el 11 de septiembre de 2001, transformó las políticas de Estado y permitió la aparición de leyes encaminadas a reforzar la seguridad interna. Siendo el primer ataque al territorio de su país (o auto-atentado como muchos suponen), repercutió en el ánimo de la población que exige una mayor vigilancia de las actividades de las células terroristas. Por esa razón, Estados Unidos asumió la responsabilidad de intervenir militarmente en los países que difirieran ideológicamente con ellos o que sean sospechosos de acumular armas de destrucción masiva, sin pruebas de por medio, amparados bajo la óptica de amenaza terrorista potencial.

El cómic experimenta y discute a través de sus personajes esa nueva realidad política así como las nuevas relaciones internacionales que emanan de su guerra contra el terrorismo. Más que una propaganda ideológica, las historias exploran las consecuencias que tendría la aprobación de leyes radicales en materia de seguridad. Sin embargo, las narraciones hacen eco del nacionalismo resultante del atentado, del sentimiento de revancha de una nación que vio cómo dos aviones destruyeron el símbolo de su poderío económico. En consecuencia, aprueban la decisión del gobierno de regular sus relaciones con otros países militarmente.

Bajo el amparo de esa política, la industria cinematográfica y del cómic reconfiguraron a sus héroes emblemáticos. En el cine los protagonistas rompían las leyes, actuaban de acuerdo con el bien de la mayoría y durante media película eran proscritos de la ley, hasta el final cuando demostraban que es necesario trabajar fuera del sistema para combatir el crimen y a los terroristas, eran devueltos a la legalidad. Casos que representen esta concepción del mundo es posible encontrarlos en Rambo (1982), Letal Weapon (1987) o Die Hard (1988). Todos ellos operaron en la década de los ochenta y esa filosofía siguió en sus secuelas en los noventa. Mientras que en el cómic los héroes por definición eran proscritos de la ley, tenían libertad para actuar y no rendían cuentas a ninguna instancia judicial, de lo contrario, el Estado les diría quienes eran sus enemigos y cometerían varias injusticias, trabajaban en la clandestinidad, gracias a sus máscaras que protegían su verdadera identidad. Una filosofía vigente en la ficción, y en muchos casos, en la realidad. Recordemos los operativos encubiertos de la CIA o las intervenciones clandestinas en las dictaduras latinoamericanas, intervenciones justificadas con el argumento de preservar los bienes de los ciudadanos norteamericanos en países extranjeros.

Con el atentado a las Torres Gemelas a manos de terroristas locales o extranjeros la figura del proscrito de la ley se volvió peligrosa. Esa transformación en el discurso nacional es perceptible en las películas y las imágenes transmitidas en los noticieros. Ahora, los héroes son los servidores públicos comprometidos con el cumplimiento de la ley y la protección de la comunidad, es decir, los bomberos, los policías y los militares. Un cambio discursivo que repercutió en la ficción de Marvel Cómic.

La saga que cambiaría el panorama general en el Universo Marvel sería Civil War. El arco argumental está basado en la destrucción de una escuela primaria en Stamford, donde un grupo de jóvenes héroes persiguen a un grupo de criminales como parte de su Reality Show, sin embargo, su falta de preparación y pericia ocasiona que en la explosión ocasionada por el villano Nitro mueran los héroes así como 600 personas, entre alumnos y adultos, de un plantel educativo. Similar la situación a las Torres Gemelas, el gobierno considera la regulación de las actividades superhumanas y la creación de un decreto de Ley para evitar que se repita la tragedia. Es en este punto donde se divide la opinión de la nación y sus principales representantes combaten en una guerra civil como respuesta a esa ordenanza. Por un lado, el Capitán América combate contra Iron Man para demostrar que esa ley es una violación a las garantías individuales. El primero rechaza la propuesta porque es contraria a la filosofía de Estados Unidos del siglo pasado así como la demanda de revelar su identidad, mientras que Iron Man aboga por una reestructuración del mundo y el papel de los superhéroes en él.

El enfrentamiento de posturas obliga al Capitán América a pasar a la clandestinidad, como los protagonistas de las películas de acción, para defender los viejos esquemas de trabajo. Su decisión de oponerse al gobierno ocasiona una fractura entre la comunidad de superhéroes, formando bandos contrarios que combatirán entre ellos en una guerra civil. Durante los siete números que conforman la saga principal, los narradores recorren los diferentes puntos de vista al aceptar o rechazar las nuevas disposiciones gubernamentales. Obviamente, quienes apoyaron el decreto de ley fueron los vencedores debido a los anacronismos ideológicos del Capitán América. Es importante resaltar que al momento de asestar el golpe final contra Iron Man, los bomberos y policías son quienes detienen al Capitán América, es decir, los nuevos héroes nacionales son quienes tienen la razón y ellos, finalmente, son quienes lo convencen de que el país debe operar bajo nuevos esquemas.

El Capitán América muere el 7 de marzo de 2007 a consecuencia de tres balazos que recibió al momento de ir a comparecer por sus acciones en la guerra civil. Esa acción es justificada en la saga complementaria denominada Front Line. Ahí, los reporteros Ben Urich y Sally Floyd confrontan al superhéroe al escuchar su versión de los hechos. Parte de la justificación del Capitán América para oponerse al Decreto de Registro Superhumano es que cree “en las libertades fundamentales que nos otorga nuestra constitución, creo que tenemos el derecho a portar armas, derecho a defendernos y derecho a elegir. Hice un juramento para defender a Estados Unidos de fuerzas provenientes del exterior y del interior. Si eso significa levantarme contra mi gobierno y rechazar una ley falaz pasada por mis propios superiores, entonces supongo que eso es lo que significa”. Más adelante, los reporteros le preguntan: “¿Sabe lo que es Myspace? ¿Sabe quién ganó la última Serie Mundial o quién fue el último American Idol? ¿Cuándo fue la última vez que presenció en las tribunas una carrera Nascar? ¿Cuándo fue la última vez que vio Los Simpson o entró a Youtube a ver un video tonto?”, sólo reciben el silencio del Capitán América por respuesta, ante eso, arremete Sally Floyd: “Exacto nunca. Usted habla de los Estados Unidos como si fuera un faro brillante de perfección, pero no sabe casi nada de él”.

En la ficción del cómic, los reporteros, representación de la opinión de la ciudadanía, reacomodan la tensión que significa la regulación de los superhéroes exigiendo la renuncia a la clandestinidad y se registren para que rindan cuentas ante los ciudadanos. Exigen el respeto del decreto de ley, que significa la seguridad de la mayoría, que los responsables de un delito rindan cuentas ante el sistema judicial, sean servidores públicos, delincuentes o terroristas. Para cerrar la idea que tiene el cómic sobre el anacronismo ideológico del Capitán América, Sally lo espeta: “Su problema es que está peleando por un ideal. Es lo único que sabe hacer. Estados unidos ya no se trata de mamá y las tartas de manzana, sino del colesterol de Paris Hilton y de ver cómo consigues llegar a la cima. El país que yo amo trata a los famosos como si fueran de la realeza y a sus profesores como basura. Pero al menos yo camino por sus calles diariamente. Al menos sé lo que son”. En otras palabras, la aceptación ante una nación que ha cambiado su filosofía y las implicaciones que eso trae consigo.

A pesar de la aparente muerte de su protagonista, Winter Soldier sustituye al Capitán América con un nuevo traje, con la variante de representar al nuevo milenio con los mismos colores y portando un arma en la cintura así como una espada. Un universo de relaciones internacionales en tensión y un combate armado con el mundo árabe por parte de Estados Unidos requiere símbolos enérgicos, símbolos que connoten ante los ojos del mundo que se defenderá ante cualquier intento de agresión. Esa nueva filosofía es sintetizada al momento de la primera aparición pública del reemplazo del superhéroe asesinado, al preguntarle sobre el por qué de sus nuevos accesorios y las armas, sólo responde: “Siempre he cargado armas, y ahora que me pinté una diana roja, blanca y azul encima... supongo que las necesitare más que nunca”.

El héroe es sustituido por un personaje repleto de claroscuros con una filosofía diferente y un discurso que apenas empezamos a descubrir. Por ello, las posibilidades del cómic aún están en ciernes y sería necesario esperar para ver los nuevos derroteros y las posibilidades interpretativas que surgirán en torno a él. Más de cincuenta años de historias ofrecen lecturas diferentes, por eso es posible esbozar otras interpretaciones en un género mezclado de ideología, política y preocupaciones comerciales. Los lectores al final, serán quienes explotarán esas vetas, por eso los invito a descubrir ese universo narrativo. ®

Publicado en la Revista Replicante Plus en Agosto de 2009

LA NOSTALGIA EN EL 70 ANIVERSARIO DE MARVEL COMICS

2009-08-18T22:17:00.000-05:00

En el medio de las revistas impresas en Estados Unidos, la industria del cómic es una de las más importantes, tiene tanta relevancia y auge entre la población que el pasado 11 de agosto del presente año, la empresa Marvel cumplió 70 años publicando historias.

Para celebrar sus 70 años, en las principales tiendas de libros y distribuidoras de comics, la empresa ofreció conferencias con editores, creadores y dibujantes de la Casa de las Ideas, donde, como bono extra, vendieron ediciones limitadas y de lujo, así como estampas, álbumes y novelas gráficas, lamentablemente, los festejos no están programados llegar a México.

Sin embargo, en Yucatán la empresa cumplirá alrededor de 40 años distribuyéndose y manteniendo un público cautivo, que ha experimentado los cambios de editoriales y proyectos nuevos para acercar a los lectores a sus historias.

Hace 25 años, compré por primera vez un cómic e intermitentemente seguí su continuidad, los cambios en sus personajes y la desaparición de editoriales. Aún recuerdo la emoción de leer la saga denominada Las Guerras Secretas, mi primer contacto con un universo narrativo en evolución vertiginosa, que irremediablemente me atraparía con cada número.

Distribuida a mediados de los setentas por la Editorial Novedades, ofrecía revistas de superhéroes como Spiderman, los X-MEN, los Avengers y los Cuatro Fantásticos. Después de 25 años, la empresa canceló todas sus publicaciones y cerró sus puertas, dejando historias inconclusas y conclusiones que jamás llegaron, sin embargo, Internet ha llenado paulatinamente esos huecos hoy en día.

En mi baúl aparecen ediciones de Spiderman fechadas en 1975 correspondientes a los números 76, 97, 98, 99 y 100, publicaciones que se conseguían sólo a través de largos recorridos en puestos de revistas usadas, por precios relativamente bajos, 20 centavos cada una de ellas. Sin embargo, cuando eres niño, el dinero es una limitante.

Las revistas nuevas costaban un peso con 20 centavos, apoyados con el famoso precio pacto, cuya calidad era inferior a las ediciones norteamericanas, pero no por ello, menos valiosas. Posteriormente, las ediciones de lujo cobraron importancia, principalmente cuando la editorial Vid distribuyó los comics.

Y, nuevamente, la imposibilidad de adquirirlos, ya que a principios de 1990 Vid tomó las riendas de la distribución y edición, el famoso peso con 20 centavos se elevó a cuatro, luego a cinco y ocho pesos por ejemplar. Después de varios proyectos para abaratar los costos y captar un mayor público de consumidores, dejaron atrás las ediciones de lujo y regresaron las impresiones en papel corriente, con historias mezcladas, los famosos Flip-book (revistas dobles).

Por diferencias en los permisos y la renovación de los contratos para la comercialización de los títulos de Marvel, las historias nuevamente quedaron inconclusas y los lectores a la deriva.

Antes de Internet y las grandes cadenas comerciales, era posible conseguir revistas en el puesto del “Güero”, en la calle 64 entre 61 y 63, donde recibía semanalmente cajas repletas de comics, que obligaban a decisiones difíciles, porque o completábamos las historias que ya teníamos o comprábamos números de colección, cuyos papeles sepia se convertían en polvo al contacto con el aire. Eran momentos de vida o muerte, ya que los consumidores aumentaban cada día, y las revistas disminuían vertiginosamente.

Otro de los puntos obligatorios para adquirirlas era el mercado Lucas de Gálvez. Así, entre una revista de Pimienta y Hustler, encontré el número uno de Marvel Comics Presenta editado por Novedades. Una sensación invaluable, después de caminar y revisar miles de publicaciones de todo tipo por más de dos horas entre condimentos y verduras.

Iniciando el nuevo siglo, la Editorial Televisa adquirió los derechos de Marvel y los comics regresaron. Sin embargo, la innovación que trajo la empresa son los ejemplares denominados Ómnibus y Monster Edition (ediciones de más de 400 páginas), donde presentan historias complementarias de las tramas principales. Sólo resta decir que conmemorar su aniversario significa desempolvar recuerdos, y comprender que mi “ancianidad” es una alternativa para paladear la nostalgia con deleite.

Publicado en Por Esto! 13 de agosto de 2009

Bienvenidos a la Disidencia Literaria

2009-08-09T14:55:00.000-05:00

Desde hace tiempo quería colgar una entrada que no sea exclusivamente literaria ni artículos publicados, hoy por diferentes cambios en mi ánimo, decidí simplemente poner esto:

Hoy iniciamos el tercer viaje por el mundo literario, como toda empresa sólo sabemos que vamos a un puerto nuevo, hoy estamos con otras culturas, otros lugares, y tenemos como barco la disidencia literaria, qué tripulación tendrá, quienes me acompañarán en el exilio, con el tiempo lo sabremos, hoy viajo hacia un proyecto literario sólido: la honestidad literaria.

Estamos en camino..........

Gustavo A. Madero en los ojos de la disidencia literaria

2009-08-08T00:19:00.000-05:00

Entretejidas en el marasmo de concreto de las ciudades están los huesos de traidores y traicionados, una dialéctica frenética que exuda sus propios mitos, sus creencias y se obstina por mantener una cortina que aleja la realidad y forma bandos entre quienes tienen la razón y los errados. Es la ciudad un monolito de papel, donde las palabras adornadas con el cuchillo del preciosismo trafican con las emociones, desangrando la verdad hasta evaporarla de sus hojas.

Un ejemplo de papeles amontonados enfrentados en su afán de legalizar, defender o atacar una postura es la historia de la Revolución Mexicana. Existen análisis de hechos, sucesos y movimientos militares y políticos que determinaron el rumbo de la lucha armada. Sin embargo, entre tantos libros, sobresale la obra de Paco Ignacio Taibo II con Temporada de Zopilotes. Una Historia Narrativa de la Decena Trágica, en la que asistimos a una realidad narrativa que teje los pormenores de una asonada y un golpe militar anunciados hasta la saciedad, protagonizada por los elementos que, a veces, escapan en la reconstrucción histórica: la ambición humana, la ingenuidad, la traición, la conveniencia, la intuición y el orgullo.

A lo anterior, habría que añadir que la historia presentada por Taibo II tiene infinidad de detalles curiosos, pequeños sucesos que brindan un carácter humano a los protagonistas de la primera etapa de la Revolución Mexicana. Sin crear un texto anecdótico, adereza las situaciones con comentarios insólitos, registrados por los testigos de los hechos, como el momento de la liberación de Félix Díaz, quien dice “el 9 de febrero en la mañana estaba rasurándome en mi celda de Lecumberri cuando supe que mis amigos estaban a las puertas de la Penitenciaría”, como si se tratara de una invitación a un día de campo, y no de una fuga de la cárcel.

La narración aborda la complejidad de la megalomanía de los confabulados en el golpe militar de febrero de 1913. Traza las ambiciones y la imagen que tenían Félix Díaz, Victoriano Huerta, Bernardo Reyes, Manuel Mondragón, así como las confabulaciones y presiones del embajador de Estados Unidos en México, Henry Lane Wilson, para acabar con el naciente movimiento democrático encabezado por Francisco I. Madero en la Revolución de 1910. También, sin adornar la realidad, el autor nos lleva por la ingenuidad del recién electo Presidente de la República al no reconocer el inminente golpe militar en la capital del país, minimizando las advertencias de su hermano Gustavo A. Madero sobre la inminente rebelión militar.

La reconstrucción, también, gira en torno a la figura de Gustavo que representaba la mayor amenaza para los golpistas, principalmente su permanencia junto a Francisco impidió que Huerta se uniera a los militares sublevados porque “…las pezuñas del Chaparro (Madero) me parecen blandas, pero Ojo Parado (Gustavo, su hermano) las tiene duras…”. Así, el encono de los enemigos está dividido. El Presidente representaba la caída de la oligarquía y el cese de sus privilegios. Mientras que Gustavo, quien simbolizaba la mano dura contra los traidores, era quien estudiaba y medía las fidelidades de los enemigos que perdonó la Revolución y que fueron colocados en puesto clave dentro de la estructura militar de un país aún convulso por la revuelta armada.

Con el triunfo del golpe de Estado, Gustavo debía ser eliminado de tajo. Por ello, cuando Victoriano lo entrega a las rebeldes, recibe un castigo brutal. Sacado a empellones de su celda por una turba de militares ebrios y pese a la herida de bala en su maxilar, fue insultado, golpeado y pateado, asimismo le hundieron la punta de una espada en su único ojo bueno, después de ese castigo recibió 37 tiros, le cortaron los cojones y cubrieron su cuerpo de tierra y estiércol. Esa imagen hace que recuerde a la disidencia literaria.

La literatura se escribe de igual forma, es en enfrentamiento entre hermanos donde hay creadores que apuestan por el optimismo y negando el deterioro del país, inventando un mundo diferente a través de preciosismos literarios, con los cuales pretenden desvanecer el horror y la muerte sin sentido que todos los días sacude a México; en el lado contrario, están quienes pugnan por sacudir al lector de su inmovilidad, desterrar la desidia e integrar al mundo, con toda la suciedad que lo envuelve, a la realidad estética. Por ello, Gustavo Adolfo Madero, desde la disidencia literaria te saludo.

Publicado en Por Esto! 4 agosto de 2009

Los desprendimientos góticos del alma

2009-08-08T00:02:00.000-05:00

por Rodrigo E. Ordóñez Sosa

Tomás Ramos Rodríguez

Escribir desde lejos de la tierra, y no desde el destierro, es lo que hace que la poesía de Álvaro Baltazar Chanona Yza establezca un puente entre dos mares o dos tierras diferentes. Nacido en Mérida, Yucatán, y radicado sucesivamente en Guadalajara, Mexicali y Cancún, donde ha participado en diversos foros nacionales, suplementos y revistas literarias.
En esta ocasión, nos presenta “La alforja de los desprendimientos”, coedición de la editorial Versodestierro en la colección “Las cenizas del quemado” con el Instituto de Cultura de Yucatán y el Conaculta. En este libro plasma sus sentimientos de una manera directa y podríamos decir visceral. La voz de un hablante lírico fluida que no se detiene a mirar la lentitud de las mareas, diferente a concentrarse en el torrente destructor de unas aguas agitadas desde el horizonte de la noche. Como el mismo dice, su alforja es un “cuarto oscuro al que llamamos destino”.
La propuesta de una poesía oscura, desencontrada con la luz del día, nos hace pensar en los poemas que fueron escritos por los poetas decadentistas, los poetas simbolistas y poetas malditos en el siglo XIX. Sin embargo, Chanona Yza promueve estos espacios oscuros dentro de un sitio que es eternamente descrito por la voz poética, donde rara vez aparece un apóstrofe bien definido que nos aclare si nos dirigimos a una mujer, como en el caso del poema “La brillante”, o si es la poesía o el ambiente, o el sitio poético donde el poeta pretende ubicar una voz que va describiendo todo lo que mira desde la pesadumbre de su postura ante la vida, es decir, la luz del mundo es una astilla permanente a los ojos de un poeta cansado, frustrado, sin más ánimos de lo que se encuentra por vivir.
Asimismo, los poemas reflejan un ambiente que recuerda a la literatura gótica, con elementos poéticos que nos arropan en el miedo o el terror, pero más que infundirnos un miedo sobrenatural, nos asfixian con el pesimismo de una sociedad contaminada por la neurosis y los placebos que nos empujan a otros mundos para evitar la realidad. Es por ello que el poeta nos aclara que es “otro hijo necio y bastardo del prozac/ y las anfetaminas”.
De igual forma, los elementos góticos que resaltan en la lectura de los poemas son la referencia a la locura, las características inhumanas que empujan al lector a evitar los espejos, por miedo a encontrar en su cara alguna de las señales de la decadencia moderna que señala el autor. Cada verso refleja una realidad que preferimos evitar, es una invitación para reflexionar sobre el alma en una sociedad basada en la hipocresía y las falsas amistades.
Es un mundo poético que transita en claroscuros intermitentes, con situaciones anímicas que evocan otras realidades. Por ello, tal parece que tenemos a la poesía ubicada en el territorio marino de la noche, y que nunca durante la luz del día, puesto que el único destello claro que podemos mirar en su alforja es cuando se dirige a “La brillante”, así como cuando le habla a la mujer en el poema “Crisálida”. Es un poeta en busca de la esperanza, mas no un poeta desesperanzado, puesto que aún no ha concretado el punto en que se encuentre la revitalización dentro de la figura marina del poeta; es un Simbad que no está varado en la poesía, pero sí en las imágenes que rodean el mundo negro que nos está describiendo en esa mirada que sólo penetra penumbras mas no luz.
La relación que existe entre los mares de Baja California y la nostalgia del Caribe puede ser algo que nos cuestione. Pero en la poesía de Chanona Yza podemos notar que el mar, a pesar de ser un lugar poético mencionado por todos los poetas, es el lugar que no tiene distintivo entre los mares helénicos de la tradición clásica épica, sean el mar de California o el mar Caribe.
En el primer capítulo del libro “Del Caribe esta cosmogonía” los animales del Mayab se mezclan desde la mirada de un poeta en un lugar ubicado en un ideal pasado sobre su imaginación, que nunca busca apegarse a la realidad. Su visión exotista se mezcla con la incursión de vocablos tomados no de la lengua maya contemporánea, pero sí de los lugares y animales que han aparecido dentro de la tradición histórica de la cultura maya, así como sitios de la Riviera de la península yucateca, como Playa del Carmen, desde donde el poeta cierra su primer capítulo luego de meternos a un ambiente desolador, que revalora el pasado por sobre lo nuevo, que le da más validez a la naturaleza por sobre el ambiente urbano y de la ciudad, proponiéndonos la re-creación del mundo por medio del arte.
Vemos al Coatí de Cozumel, un “aristocrático sacbé”, quetzales, al señor de los cielos, a Yal Ku, a Tulum, a los hijos de la X´tabay, donde la naturaleza idílica será la relación de sexualidad-selva, donde lo sexual será una vorágine asentada en la vitalidad del agua (la saliva, el sudor, las rías), donde se abrirán tantas puertas en las que el lector tiene que ubicarse para enterarse de qué es lo que está pasando, y llegamos a un punto del desconcierto dentro de las zonas selváticas de sus estrofas.
El siguiente capítulo le da nombre al libro: “La alforja de los desprendimientos” inicia con un epígrafe de Juan Bañuelos, donde ubica la patria de la palabra para saber dónde estamos. El capítulo avanza en un despliegue de fuerzas malditas que no le dan tregua al lector; el sufrimiento, ante todo, es la única raíz que surge de la garganta del hablante lírico, sufrir, sufrir, sufrimiento extenso en poemas que tienen un tono narrativo. Podemos ver la búsqueda de la angustia como forma de purificación en la estética literaria de Chanona Yza.
El último apartado del libro, titulado “Entre el Erial y el Río”, nos habla del hombre anónimo, aquel que las instituciones y el mundo quieren hundir en la nada, es por ello que empieza la serie de poemas diciendo “Estoy sin ropa y desaseado como una prostituta/ en el cuarto de un hotel de paso”. Nada más anónimo que eso, impersonal y distante. Sin embargo, la voz poética lucha contra la hostilidad del exterior y los gusanos que pululan en los escondrijos del alma. Al final, el poeta decantado expulsa todo hacia el exterior, vacía sus alforjas para decirnos que “mientras más me vacío, más me lleno/ de este apetito insaciable/ de seguir escribiendo”, la única liberación posible es y será siempre a través de la escritura.
Es importante señalar que el lector debe sumergirse en todas las aristas de lo que sucede en el sitio poético del angustiante discurso de Chanona; por ello el autor reserva y modera partes y acciones de su discurso para no soltarnos toda la información posible en este, como si fuera una marea irrefrenable, para que el lector reinvente el mundo que se le presenta por medio de las metáforas, epítetos y demás figuras retóricas, armar con las pistas su interpretación, para apropiarse de la poesía y para volverse uno con la realidad.

Publicado en Por Esto! 29 de julio de 2009

LA PROVOCACIÓN DEL LECTOR A TRAVÉS DE LA MORAL

2009-07-19T23:58:00.000-05:00

"...ese laberinto interminable de orgías y engaños"

Fray Servando Teresa de Mier y Noriega

Escribir significa comunicarnos con los posibles lectores, a través de una red de proposiciones y estrategias textuales que lo obliguen a caer en la trampa de su moralidad. Esta técnica la consolida Alberto Chimal en su novela corta Los Esclavos, en la que a través de la narración nos conduce al laberinto del prejuicio de las fantasías sexuales, y al descubrimiento, por parte del lector, de su propia morbosidad.

Los Esclavos narra la vida de dos parejas de amantes que viven situaciones de extrema sumisión y dominio, entregados a los excesos. Por un lado, la vida de cierta directora de cine pornográfico y una adolescente a la que obliga a satisfacer sus deseos, y a interpretar los papeles más degradantes en las películas que dirige y produce. Por otra parte, un joven millonario que somete a sus amantes hasta aniquilar su voluntad. Su última adquisición, un burócrata de edad madura obligado a existir bajo muy calculadas torturas, con un collar humillante y una cadena clavada a sus talones.

A fin de cumplir las fantasías eróticas de sus amos, los esclavos aceptan exigencias cada vez más radicales y sobrepasan los límites del sadomasoquismo para encontrar nuevas vetas de placer. Aunado al peligro de ser atrapados por la policía, las parejas combaten el tedio recrudeciendo las relaciones de poder entre amantes, afinando la degradación del otro para conservarlo a su lado. Es la radicalización de la situación que viven miles de parejas en su búsqueda por superar el hastío en sus relaciones, la lucha indiscriminada entre el hábito y la novedad.

En la primera mitad de la novela, observamos las fantasías ingenuas e infantiles que se esconden en un negocio tan plagado de trampas morales como lo es la pornografía. Un recorrido en el cual emitimos juicios de valor incesantemente y nos empantanamos con ideas preconcebidas sobre el sexo comercial y la corrupción, dejando escapar señales tenues, las cuales no permiten que veamos el desenlace de cada capítulo, hasta que el narrador nos regresa de golpe a la realidad.

El amor, entendido como la entrega sin miramientos al ser amado, es la premisa básica de la obra, que explora la dependencia e invalidez cuando amamos sin restricciones. El libro construye un universo donde nada es real, sino vagas ilusiones y sugerencias del autor; donde el lector es también un esclavo de la lectura, hasta el final, en la cual nuestro juicio es demolido en tres breves líneas al final de cada capítulo.

Alberto Chimal narra el amor desde su perspectiva más salvaje, utiliza el sadomasoquismo como metáfora para representar la crueldad que se esconde en la batalla entre los sentimientos y el placer, un juego de poder exhibido en cada capítulo que compone el libro. Derrumba en cada capítulo la noción de eternidad implícita en la palabra amor, poniendo en juego los prejuicios y la sensibilidad del lector, quien será el que al finalizar la lectura, juzgará cada acto y emitirá una sentencia para los personajes.

Al concluir el libro, debemos reestructurar nuestros sentimientos y la red de conceptos que conforman nuestra definición de moral, porque la sentencia que emitamos en torno a los personajes, a la larga dirá más de nosotros que del autor. Seremos quienes, inconscientemente, juzguemos al “Otro” en la batalla que libra por impedir que la costumbre y la rutina echen raíces en sus relaciones interpersonales.

La narración indaga sobre el amor y la posibilidad de encontrar al candidato ideal para cumplir una fantasía sexual. Así, el texto habla del placer irreflexivo, sin miramientos ni carga moral. En sus hojas no hay lugar para los prejuicios ni los indicadores de valor, toda la carga ética depende del lector, lo cual abre una multiplicidad de interpretaciones y juegos textuales, en las que las únicas víctimas somos quienes recorremos sus páginas.

Publicado en el Periódico Por Esto! el 17 de julio de 2009

PERIODISMO NEGRO: UNA CRUZADA CONTRA LA DESIDIA

2009-07-11T19:37:00.000-05:00

El periodismo negro es un género explotado en la obra de Eduardo Monteverde para describir la violencia que circunda lo cotidiano en las grandes ciudades y en los paisajes rurales.

El autor de Lo Peor del Horror construye 23 historias usando como hilo conductor a México y la incongruencia de décadas de una política penitenciaria que hunde a quienes en realidad necesitan rehabilitación; asimismo, expone el combate que libran las comunidades indígenas para sobrevivir a los estragos ocasionados por el hambre y la miseria.

En el prólogo que hace al libro, Paco Ignacio Taibo II señala que la violencia circundante se disuelve en lo cotidiano por lo reiterado de los crímenes, por el abuso de la cabeza periodística y los reportajes superficiales en televisión. Así, la agresión y el asesinato lentamente forman parte de nuestra existencia, fusionándose con la esfera privada, hasta hacernos indiferentes y anestesiar nuestra capacidad de asombro, de horror o indignación.

A lo largo de sus historias, Monteverde reitera la necesidad de ir más allá de la nota roja, ahondar en los escalafones más bajos y oscuros de la sociedad para dejar un testimonio de los horrores ocultos en lo cotidiano, escribir un relato capaz de sustraernos de la desidia, causarnos indignación e impulsarnos a tomar acciones para combatir la raíz del problema: un sistema social, político y cultural obsoleto.

Para escribir su libro, el autor entrevistó y recopiló sus historias de primera mano con los forenses, el Ministerio Público, los hospitales psiquiátricos, los barrios bajos, las comunidades azotadas por el hambre, el narcotráfico y la tala ilegal de maderas preciosas, así como las cárceles.

Ahí, reunió la materia prima para narrar un México siniestro y real; historias que, muchas veces, conocemos, pero sistemáticamente las ignoramos, como el caso del confinamiento de Carlos Francisco Castañeda de la Fuente, alojado durante 16 años en el pabellón número 6 de la granja psiquiátrica Samuel Ramírez Moreno, sin proceso judicial, custodiado por judiciales, militares y celadores, por el delito de atentar contra la vida del entonces presiente Gustavo Díaz Ordaz el 5 de febrero de 1970. El reo es sólo una leyenda urbana entre miles.

En el libro desfilan el suicida fallido, el mago violador de niños, infanticidas, prostitutas, homosexuales arrepentidos, mujeres violadas, padres acusados de asesinar a su esposa e hijo, mientras el asesino y secuestrador de su hijo permanece libre; toda una galería de personajes atrapados en el laberinto burocrático del sistema penal por carecer de los medios necesarios para aceitar los engranes de la corrupción.

La obra —premiada con el galardón Rodolfo Walsh durante la Semana Negra de Gijón en el 2005— denuncia que los crímenes que se cometen son contra los grupos vulnerables de la sociedad: niños, mujeres, homosexuales, campesinos, enfermos mentales, inmigrantes y casi todos quienes se hallan en situación de pobreza están expuestos a engrosar las historias que narra el texto.

Por otro lado, nos dice cómo el robo, la agresión, el asesinato, la indolencia, el maltrato de los animales en cautiverio y el deterioro del medio ambiente triunfan implacablemente. La única constante es la crueldad que queda impune.

Denuncia que los mexicanos prefieren protestar e indignarse contra hechos internacionales, como la prisión de Abu Ghraib y la tortura en Irak, mientras que los casos nacionales de violaciones a los derechos humanos son ignorados y, a menudo, desconocidos.

Finalmente, en una entrevista hecha al autor, narra que platicando con un policía sobre la vigencia de las historias recopiladas en su libro, el agente le respondió que por lo menos durarán 70 años, por lo común de los hechos, donde sólo cambia el rostro y el nombre de las víctimas, lo cual en efecto es un augurio “duro” y, sobre todo, triste.

Publicado en Por Esto! el 30 de junio de 2009

LUCIO CABAÑAS, EN EL JUICIO DE LA MEMORIA

2009-06-26T14:48:00.000-05:00

La memoria es un paseo ininterrumpido entre nuestros deseos y los acontecimientos narrados. También, es la inmortalidad convertida en oralidad que multiplica y esparce en todas las fronteras un símbolo y su mensaje. A través de ella caminan los sucesos que nos impactan.

Un documental de la memoria, de sus juicios y los recuerdos de quienes vivieron de primera mano la guerrilla en las décadas de 1960 y 1970 es La Guerrilla y la Esperanza: Lucio Cabañas. El director Gerardo Tort reconstruye la lucha armada usando la memoria como herramienta, filtrando el reclamo de los campesinos del Estado de Guerrero, asolados por el hambre, la miseria y la muerte.

Dejando de lado las pretensiones biográficas y la rigidez del método científico, Tort rehace la figura de Lucio Cabañas enhilando los fragmentos de la memoria colectiva de ex guerrilleros, compañeros de armas, simpatizantes, familiares y sobrevivientes. Ubica esos relatos cronológica y políticamente con las entrevistas de Armando Bartra y Carlos Montemayor.
Con las remembranzas de los protagonistas, construye una historia polifónica que enmarca el sentido humano del maestro y guerrillero Lucio Cabañas Barrientos. Abarca su nacimiento e infancia en El Porvenir el 15 de mayo de 1939, sus estudios, sus primeros encuentros con la política, sus proyectos de reforma educativa, hasta su asesinato a manos de los militares el 2 de diciembre de 1974, en la selva cafetalera El Otatal.
Las entrevistas hechas incluyen a los familiares de Lucio Cabañas, al historiador Armando Bartra, al escritor Carlos Montemayor, a los integrantes de las Brigadas de Ajusticiamiento, una entrevista rescatada del entonces senador de la República y candidato a la gubernatura del Estado de Guerrero, Rubén Figueroa Figueroa, secuestrado por la guerrilla para financiar su movimiento. Además, hay relatos de los integrantes del Partido de los Pobres, de Fernando Ulloa —de la Liga Comunista Espartaco— y a miembros del Movimiento Revolucionario del Magisterio.
Después de un trabajo de campo en Guerrero, los realizadores dejan fluir la memoria colectiva para enfrentarla entre sus diferentes narradores y crean un punto de discusión entre los protagonistas, ya que es un debate honesto y un análisis forjado durante 35 años de meditación. Exponen con honestidad los alcances del movimiento y sus errores. Sobre todo, ofrecen una visión humana del principal culpable de la muerte de Cabañas: la delación.
Los entrevistados evitan presentar la delación como un concepto abstracto, cargado de repudio o condena histórica, la exponen como una herramienta utilizada para cercar y destruir a la guerrilla. Los delatores no son acusados, los guerrilleros saben que los soldados quebraban a los campesinos secuestrando a sus familiares, asesinando a sus parientes para que confesaran, que delatar era la única forma de sacar a los militares de la comunidad, porque mientras estaban ahí asesinaban, violaban y acababan con la escasa comida que tenían.
Todas las conversaciones están adornadas con imágenes de los principales movimientos de la época, fotos y recortes periodísticos. Mostrando los encabezados en los medios de comunicación, el documental expone la campaña de difamación que emprendió el Gobierno, quien acusó a los guerrilleros de ladrones. En contraparte, es de recordar que una cobertura objetiva acerca de la lucha armada provino de la revista Por qué?
En medio de los recuerdos que delinean la vida de un hombre asesinado por combatir el hambre y la miseria de los trabajadores del campo, aparecen 650 incógnitas. Al final de la cinta vemos las últimas entrevistas. Con rencor y el llanto en la quijada, los familiares de los 650 detenidos y desaparecidos en la Guerra Sucia exigen conocer su paradero, si están vivos o muertos. A 35 años de distancia, la pregunta permanece en el aire: ¿dónde están?

Publicado en Por Esto! 23 de junio de 2009

EXTERMINIO: LAS VISIONES APOCALÍPTICAS DE HOLLYWOOD

2009-05-28T00:00:00.000-05:00

El siglo pasado tenía como estandarte haber descubierto la materia misma de la creación, desde los átomos y células que conforman la vida en el planeta, hasta los confines de la galaxia. Los descubrimientos asombraban al mundo: el hombre en la Luna, curas milagrosas, la energía atómica, los avances tecnológicos, la clonación e Internet.

Sin embargo, cuando creíamos agotar los hallazgos, los cimientos de la vida se rebelaron desde su partícula más pequeña. Con la mutación de los virus, el peligro aumentó ante su capacidad para adaptarse a las medicinas, desde la aparición del Sida hasta la Influenza Humana que mantiene al mundo en vilo ante una posible pandemia.

En el transcurso de los últimos años, Hollywood ha estrenado por lo menos una película que predice el fin de la humanidad, Cloverfield, el reestreno de Terminator, Matrix, recientemente Watchmen, Un día después de Mañana, La Guerra de los Mundos, Alien vs Depredador y Exterminio.

La destrucción de la humanidad es retomada desde los ángulos más insospechados: la rebelión de las máquinas, una fuerza alienígena devastadora, cambios climáticos devastadores, un monstruo desconocido, una conspiración para liberar al mundo de la guerra y la miseria y, finalmente, una pandemia.

Dirigida por Danny Boyle, Exterminio es un film de bajo presupuesto sin grandes estrellas. La trama inicia con la irrupción de un grupo de activistas ecológicos a un laboratorio británico, donde liberan varios monos infectados con un virus mutado de la Rabia. Esta enfermedad es contagiada a través de la sangre, cuyos infectados regresan a un estado salvaje de furia.

Veintiocho días más tarde, el protagonista, Jim, despierta de un coma para encontrarse en Londres, desierta como consecuencia de la epidemia. Sólo quedan infectados y escasos sobrevivientes. Jim se unirá a Selena y a un padre con su hija. Con la esperanza de encontrar el campamento militar cerca de Manchester, donde aparentemente posean la cura para la epidemia recorren las calles deshabitadas para llegar a su destino y observar la devastación ocasionada por la pandemia.

Llegan a la base militar instalada provisionalmente en una mansión en el medio del bosque, comandada por un mayor trastornado. Ahí, aparece lo peor de la humanidad ante una crisis, sobretodo la violenta ley del más fuerte y la imposición de su voluntad a través de las armas así como el instinto de supervivencia de la raza, donde las normas morales y éticas son hechas a un lado para intentar embarazar a la niña que acompaña a los protagonistas.

Ante la alarma nacional por la Influenza Humana, irremediablemente recuerdo la película reseñada. Porque la conducta humana es predecible, muchas veces, arrastramos los supermercados, agotamos medicinas y tapabocas así como mantenemos el contacto con nuestros familiares y amigos a través de Internet. En el caos, nacen leyendas urbanas y Teorías del Complot, donde acusan a un experimento biológico militar fallido; el Complot para ocultar la verdad, porque muchos aseguran que médicos del sector salud salen con lágrimas en los ojos para decir que la verdad es peor y que nos protejamos para evitar nuestra extinción.

En medio de todo, en época de crisis siempre los grandes consorcios y franquicias son los vencedores y el avance del capitalismo salvaje continúa hasta sus últimas consecuencias. El miedo de contagiarse ocasionará que se erosione el contacto humano, deteriorará las relaciones humanas, confinadas únicamente en el ciberespacio, terminará con la victoria de las grandes potencias y las políticas de los estados, porque el miedo es un arma efectiva para disolver futuras movilizaciones sociales, asambleas sindicales y ejidales. Al igual que en Exterminio, hay la posibilidad de terminar gobernados por un comandante desquiciado, sin posibilidad de derrocarlo, porque para que triunfe la Revolución, el contacto humano lo es todo.

Publicado en Por Esto! 27 de mayo de 2009

TINA MODOTTI: LA SENSUALIDAD COMBATIVA

2009-05-21T01:14:00.000-05:00

A Rosely

La escritora Elena Poniatowska construye la sensualidad vinculándola con el espíritu de la fotógrafa Tina Modotti, para exponer los cambios ideológicos, sociales y políticos de la mujer en los primeros 40 años del siglo XX. Presenta los embates que sufrió la fotógrafa de amigos y enemigos, quienes la condenaron al olvido por querer la misma libertad que los hombres.

La sensualidad es la verdadera protagonista de la novela Tinísima, donde muestra a la protagonista como un alma libre que acabó sometida a la vorágine de las ideologías, la doble moral y la cerrazón de la sociedad, cuyos prejuicios acabaron por erosionar el espíritu de Tina Modotti.

A principios del siglo XX, la convicción de sus ideales permanecía intacta y empezaba a incursionar en el mundo de la fotografía bajo la tutela del fotógrafo Edward Weston, para quien posó desnuda. Después renovó su campo artístico sujetando la belleza a la perspectiva de la imagen y el impacto en el espectador.

Después de viajar por México, Tina experimentó los cambios culturales y políticos de la reconstrucción nacional y su consolidación al concluir de la Revolución Mexicana, donde intervinieron intelectuales como fueron Diego Rivera, Manuel Maples Arce, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

El peregrinaje espiritual de la fotógrafa y sus relaciones con el mundo político e intelectual mexicano, ocasionó que ingresé al Partido Comunista Mexicano en 1927. El nacimiento de su consciencia política hizo que se vinculé con los problemas latinoamericanos. Así, colaboró en el comité “Manos Fuera de Nicaragua” en solidaridad a la lucha de Augusto César Sandino, además ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En ese mundo, en la protesta pública por la ejecución de los anarquistas Sacco y Vanzetti, conoció a Julio Antonio Mella en 1928, dirigente estudiantil cubano.

A finales de 1928 y principios de 1929 vivió una relación amorosa con Julio Antonio, sin embargo, el 10 de enero es asesinado cuando regresaban a su apartamento. Como consecuencia, el sistema judicial la implica en la ejecución usando como argumento la sensualidad que proyectaba, por tanto, suponían que un amante despechado había acabado con la vida del líder estudiantil cubano. Los medios de comunicación crearon en el público la imagen de una “devoradora de hombres”, que ocasionó una balacera entre rivales amorosos.

Ante la falta de pruebas sólidas, la justicia la exonera sin dejar de vigilarla hasta encontrar un pretexto para expulsarla del país. Oportunidad que tendrían con el atentado contra el presidente de la República, Pascual Ortiz Rubio, en el cual la implican como conspiradora y con ese argumento es deportada. Por ello, recorrió Alemania y Europa, en esos viajes encontró a su última pareja, el comunista Vittorio Vidali.

Trabajaron en misiones de rescate de comunistas perseguidos por fascistas y nazis. Así, al ingresar al comunismo ruso decide sacrificar su sensualidad y sus recuerdos, adoptando el sistema político como religión. Un cambio que la transfigura físicamente, tanto que es irreconocible hasta para sus antiguos amigos. Luego, participó en los combates de España contra el golpe militar de Francisco Franco.

Como enfermera trabajó con el sobrenombre de María en las Brigadas del Socorro Rojo Internacional del Quinto Regimiento, donde era comandante Vidali bajo el seudónimo de Carlos Contreras. Ahí, comprendió que la mujer tenía asignado roles menores en las estructuras de poder, sin importar el sistema político.

La derrota española y las tragedias que la acompañaron durante toda su vida, crecieron hasta minar por completo su espíritu. La muerte de Mella, la difamación pública sólo porque su sensualidad era la proyección de la seguridad de su alma, la guerra perdida, los ataques rusos y la superficialidad de los intelectuales, acaban por consumirla. Por ende, la narración dice que a sus 46 años de edad parecía tener el doble de edad, con el pelo blanco, sin amigos ni una relación amorosa, sin trabajo y viviendo en la miseria exiliada en México, deambula como un fantasma, cuya vida acabó en el anonimato a bordo de un taxi el 5 de enero de 1942. Un ataque al corazón que duró más de 10 años en doblegarla.

LICANTRA:CONJURO CONTRA LA INDIFERENCIA

2009-04-07T15:16:00.000-05:00

La construcción de un mito, personaje o mundo poético, implica recorrer los sinuosos significados de las palabras, retorcerlas hasta cambiarlas por completo, descubrir todos sus matices y multiplicar sus connotaciones. Todo eso se encuentra reunido en el libro Licantra del poeta yucateco José Díaz Cervera quien construye una palabra creando su historia, sus signos y un universo a partir de un tema cotidiano como el amor.

Licantra, una palabra retomada de la tradicional novela de terror, contiene su propia esencia, su propia constelación de significados que van de lo literario a lo cinematográfico. Sin embargo, el libro evita el lugar común de lo sobrenatural, rompe los esquemas para ofrecernos cuatro capítulos de poemas que refrescan el sentido de la palabra misma hasta convertirla en la diosa de la indiferencia y el desdén.

Arte de la precisión, la unidad de este poemario se da gracias a la consonancia temática y un buen logrado ritmo tan cambiante de acuerdo a la intención poética. Así, el primer capítulo denominado “Los Hombres de Hécate” es una paráfrasis de la palabra nombres. Díaz Cervera utiliza las acepciones vinculadas con la diosa, como son la brujería, la luna, el cementerio, las hierbas mágicas, las encrucijadas, la Luna, Reina de los Muertos, asociada a los animales como la perra y las ranas, y de esta forma titular los poemas para crear una atmósfera mágica. Principalmente en el primer capítulo que empieza con un conjuro, seguido de un canto a la Luna Nueva y Vocativo: ese es el preámbulo para invocar a Licantra.

El primer capítulo concentra su fuerza en la figura de Hécate, quien desde el inicio expone la encrucijada del poeta ante el desdén del objeto amado. Además, la diosa es la Reina de los Fantasmas que evita que el mal entre al mundo espiritual y viceversa, es la santa patrona que pretende evitar que la mordida de Licantra sea funesta y a quien se dirigen los conjuros y las ofrendas.

En el capítulo segundo titulado “La Perra, La loba”, es la transfiguración de lo cotidiano a lo mítico, la conversión del amor platónico a la realidad, y de ahí, nuevamente al pedestal. Con lentitud Licantra comprende su poder sobre los hombres, de ahí la imagen del espejo que confirma y le abre el camino a la mistificación. Con el cambio a prosa poética, el ritmo deja atrás las invocaciones y conjuros en consonancia con el estado de ánimo de la voz poética, porque la alcanza y pierde en un instante. El poeta trata de descifrarla a través de sus gestos, sin embargo ella es La Loba, ella es quien “voltea a quemarropa y siempre sorprende a alguno mirándola. Entonces sonríe e inicia otro ritual de cacería”.

En el siguiente apartado, denominado “Cantar de Licantra”, el hablante lírico cambia y entonces podemos escuchar la voz de la protagonista. Con desprecio nos habla de la consciencia de su propia carnalidad, de su vocación para la lujuria, donde sólo ahí logra reconocerse y encontrar su lugar en el mundo. Sabedora del dominio que ejerce y la impotencia de los desdeñados, concluye diciendo: “y tomaré un tren/ para ir donde estalla de lujuria/ la neblina;/ me llamaré pavor,/ me adornaré con un collar de sangre/y aullaré cuando a la luna/le crezca la migraña;/ después regresaré/ a verlos morir,/ poetas lluviosos/ sin más vestido/ que mi indiferencia.”.

Finalmente tenemos la “Balada del Bibliotecario”, quien mordido por Licantra cuenta con desesperanza la imposibilidad de recuperarla, no hay invocaciones ni conjuros, porque ya nada la ata al poeta y ahora vaga libre por el mundo, por tanto, sólo queda recoger los escombros, y advertir “voy a morir, Licantra,/ con un rumor plenilunar/ de ingles en el cuello,/ y alguien se enojará en el vecindario/ porque se le perdieron unas medias.”. Esta es la forma en que José Díaz Cervera, a través de este libro mítico, logra la mejor conjura contra el desdén y desde luego, contra la peor de las indiferencias.

Publicado en Por Esto! el 7 de abril de 2009

Francisco Villa: una esquirla en la memoria colectiva

2009-03-13T22:13:00.000-06:00

En una sociedad de mitologías rápidas, donde la fama dura quince minutos y se pierde en el alud de información que fluye en Internet, en una sociedad donde la interpretación es sometida a prueba en la descomunal cantidad de puntos de opiniones y conocimientos sobre un tema, aparece la obra titulada Pancho Villa. Una biografía narrativa, de Paco Ignacio Taibo II, para ofrecernos no sólo un método para bucear objetivamente en la realidad, sino para combatir la manipulación de las figuras históricas hecha por la ideología de Estado e impedir que olvidemos las deudas de la Revolución Mexicana con los desposeídos, con los de abajo.

El autor reanima la biografía como género literario, lo actualiza con las herramientas de la investigación periodística e histórica. La acumulación de fechas y hechos relevantes es dejada a un lado, usados sólo como recursos para ubicarnos en el tiempo y el espacio, nada más. Taibo reúne la información disponible, entrevista, coteja y va más allá, nos deja un recuento de los relatos encontrados para que saquemos conclusiones y apoyemos o refutemos sus resultados.

Con esa revitalización del género, narra la historia de Francisco Villa desentrañando la realidad en la multiplicidad de versiones sobre su nacimiento, sus padres y los motivos que lo llevaron a romper las leyes. Con ello, forja un relato que mira críticamente la mitología impuesta por el Estado y analiza por qué los héroes nacionales cambian con el paso del tiempo y de acuerdo a los partidos políticos que detenten el Poder. Alejado de los lugares comunes de las narraciones sobre Villa, el autor investiga los pormenores de cada uno de los sucesos que la institucionalización de la Revolución Mexicana utilizó para crear su “leyenda negra”, con honestidad literaria esclare hechos y reconoce sus excesos, cuando los hay.

En el transcurso del relato articula el programa social del villismo y aparta la imagen de Villa entregado a pasiones momentáneas e improvisación. Sin tener educación básica, se preocupó por construir escuelas, pagar mejor a los maestros; un abstemio que intentó erradicar el alcoholismo, porque sabía que era un mecanismo de control social; expropió los terrenos de las grandes, descomunales haciendas para entregarlas a los trabajadores; cobró impuestos a los extranjeros que usufructuaron la riqueza natural del país; y, como piedra angular, vigiló que los precios de los productos básicos sean accesibles para todos.

En su calidad de militar, destacó como un estratega que desconcertó al ejército federal acostumbrado a seguir esquemas. Villa utilizó la caballería, que mutaba a infantería, una artillería precisa, tiradores que combatían mano a mano, cambiaba los enfrentamientos directos a combate de guerrillas. Evoluciona a un general filántropo, que acababa con el enemigo sin dañar a la población civil.Aunado a ello, es un político fogueado, gracias a que desde 1910 lidió con el Gobierno de Estados Unidos, de Francisco I. Madero, de Victoriano Huerta, de Venustiano Carranza, con embajadores, gobernadores, secretarios de diferentes niveles. Como sintetizó acertadamente el autor Villa pensaba en diferentes niveles, porque militar y socialmente la División del Norte, sus Dorados, combatían para impactar en el ámbito político, para obtener una respuesta política, en vez de armada.

Francisco Villa es una multitud de historias. Un hecho es narrado hasta por testigos que no estuvieron en el lugar. Ese deseo de defender o criticar hizo que la verdad sea fragmentada en infinidad de esquirlas incrustadas en la memoria colectiva. Esa necesidad de fugarse que aprendió Villa en su vida de bandolero, le permitió escapar del sistema y la institucionalización de la gesta armada. Porque pese al decreto emitido por Luis Echeverría el 18 de noviembre de 1976 de trasladar sus restos al Monumento de la Revolución, en la tumba 632 de Parral, en realidad se llevaron los huesos de una mujer, porque sus amigos querían evitar que profanaran nuevamente su cadáver y lo exhumaron, para enterrarlo en la tumba número 10 a 120 metros de donde estuvo originalmente. Todas las versiones están ahí, para que el lector reconstruya a Francisco Villa a su antojo.

Publicado en Por Esto! 13 de marzo de 2009

LA DELIRANTE MUERTE DE EDGAR ALLAN POE

2009-03-10T13:55:00.000-06:00

Los historiadores literarios saben que Edgar Allan Poe tuvo una muerte alucinante. Alcoholismo, cólera, sífilis, dolor, suicidio, infarto cerebral o cardiaco y tuberculosis son las teorías que siguen para explicar la forma en que murió el renovador del género del cuento de terror y el género negro en los Estados Unidos y en todo el mundo.

Para conocer la causa verdadera de la muerte del escritor sólo nos queda adentrarnos al laberinto de la reconstrucción histórica, sin embargo el creador del relato detectivesco no dejó pistas para acercarnos a sus últimos días. Todo registro desapareció de las oficinas del Gobierno de Baltimore, Maryland. Por tanto, su fecha de muerte oscila entre el 7 y 8 de octubre de 1849, debido a que no hay un acta de defunción.

Los investigadores deben recorrer su vida conociendo sus relatos para buscar una solución adecuada y plantear la hipótesis que crea conveniente, ya que el certificado de defunción y los registros policíacos continúan extraviados. Los periódicos de la época sólo reportan que murió como consecuencia de una “inflamación cerebral”, sin aportar más datos ni elementos sólidos para saber qué causó el fallecimiento.

Al igual que en el cuento El Gato Negro tenemos la certeza de que un hecho insólito ocurrió antes de morir, porque cuatro días antes de morir, varias personas lo encontraron deambulando y alucinando con “Reynolds”, que de acuerdo al escritor Julio Cortázar, era un explorador polar que sirvió de inspiración para su relato La Historia de Arthur Gordon Pym.

Nuestra muerte la construimos desde el momento de nacer, cada acto y cada paso que emprendemos sólo sirven para configurarla. Edgar Allan Poe encontró la fórmula perfecta para vivir en la memoria colectiva al morir en el misterio. Sólo sabemos que esos cuatro días únicamente son incógnitas, muchas teorías y ninguna explicación para contestar cualquier interrogante. Uno de los hechos que desconcierta a muchos historiadores es que nadie logró descubrir de quién era la ropa que usaba cuando lo encontraron.

El único hecho que es posible rastrear es la desesperación que cimbró al escritor hasta derrumbarlo. Su estado de ánimo decayó con la muerte de su prima Virginia Clemm, con quien estuvo casado 12 años, hasta su deceso en 1947, debido a la tuberculosis que la aquejaba.

Cada momento vital lo llevó a encontrarse con su muerte sin importar la celebridad que obtuvo con la publicación de su poema El Cuervo. La Historia guardó el secreto de sus últimos minutos bajo el candado de las alucinaciones del escritor, aunque talvez el verdadero delirio lo mantenemos nosotros al seguir conjeturando sobre ese tema y no enfocarnos a valorar sus obras y ofrecer nuevas lecturas de sus escritos.

Los enfoques sobre su muerte quieren aclarar los hechos concretos, ocultos en las alucinaciones que tenía con mayor frecuencia e intensidad. Por ende, olvidamos lo más importante en cualquier ser humano: el alma creadora. Aquella que sobrevive al tiempo a través de los relatos, cuentos y poemas, aquella que revoluciona el arte hasta cambiar nuestra forma de ver el mundo.

Quienes apreciamos la obra de Edgar Allan Poe creemos que la confesión que hizo en sus últimas epístolas a su suegra María Clemm, explica lo más importante del caso, que su alma creadora se quebró al abandonarla sus pilares vitales. Así, el 7 de julio de 1849 escribió: “Ahora ya de nada sirve razonar conmigo; no puedo más, tengo que morir. Desde que publiqué Eureka, no tengo deseos de seguir con vida. No puedo terminar nada más”. Simplemente la literatura lo abandonó igual que Virginia, y sin ellas, la desesperación y la muerte rindieron frutos.

Publicado en Por Esto! 14 de octubre de 2008

OPERACIÓN BOLÍVAR: LA RECUPERACIÓN DE LA MEMORIA HISTÓRICA

2009-03-05T22:42:00.000-06:00

El portador de una máscara es él mismo;

y sin embargo es otro.

Anónimo

La conciencia histórica de Latinoamérica yace fragmentada desde la consumación de la conquista y colonialización de América. A la llegada de los europeos al Nuevo Mundo, sometieron a las culturas locales a través de las armas, a la par que comenzaron a borrar la memoria colectiva destruyendo códices, ídolos y templos. Así, los pocos archivos prehispánicos que sobrevivieron a la destrucción, irónicamente, están en manos de coleccionistas privados y museos de Europa y Estados Unidos, dejando en la orfandad histórica a los descendientes de las culturas dominadas. Actualmente, el proceso de suplantación cultural continúa con las grandes industrias cinematográficas y el bombardeo constante de información a través de Internet y los medios de comunicación masivos, creando héroes dependiendo de la política de nación, como Rambo, Terminator o soldados que vencen invasiones alienígenas con una computadora. En medio de esta tragedia espiritual y cultural latinoamericana surge la novela gráfica Operación Bolívar del escritor mexicano Edgar Clement.

A 14 años de su aparición en la revista Gallito Cómics, la actualidad de su historia radica en denunciar que persisten los mecanismos de control social que sofocan la inteligencia y el libre albedrío. La obra está centrada en un juego de máscaras, es el problema de la identidad que tenemos los mexicanos al estar sujetos a un sistema cultural y religioso ajeno a nuestro pasado prehispánico. Con ello, los protagonistas deben conquistar la memoria colectiva y enfrentarse a la dominación cultural. La acción transcurre en la ciudad de Angelópolis, donde el protagonista Leonel Arkángel se dedica al oficio de cazador de ángeles, cuyos miembros son convertidos en drogas, órganos de repuesto y armamento, vendidos al mejor postor. Inmerso en el relato están los judiciales, soldados norteamericanos, narcotraficantes, espías del Cielo y el Infierno y dioses indígenas. Operación Bolívar es un programa puesto en marcha por los capitalistas de Estados Unidos en colaboración con los políticos mexicanos y apoyados por el Arcángel Miguel, para unir a América a través de la santa trinidad actual (la droga, la iglesia y los medios de comunicación), es decir, cumplir el sueño de Simón Bolívar de unificar a los países latinoamericanos, sin importar los medios para llegar a esa meta.

Los personajes principales son Leonel, el narrador y protagonista de la historia; Juan Grande, el más viejo de los cazadores de ángeles; Román, un policía judicial que estudió leyes y tiene el don de matar ángeles, aunque no cree en ellos y quiere obligarlos a confesar que son extraterrestres, además de ser un “Edipo furioso”. Mientras que su enemigo es un norteamericano perteneciente a la CIA y dueño de un rancho ubicado en la región conocida en la historieta como “Paraíso”, y para acceder a él hay que recurrir a los polleros que la hacen de Caronte, cuya única moneda que aceptan es la traición.

La innovación del cómic es plasmar un tiempo mítico a través de la yuxtaposición de textos e imágenes, donde la historia y las tragedias del Siglo XX están inmersas en un presente relampagueante, donde la lucha por controlar la producción del Polvo de Ángel es una batalla a muerte para dominar a sus rivales chinos que comercializan la droga conocida como Escamas de Dragón.

Edgar Clement recurre a la polifonía de géneros para construir el tiempo mítico imperante en su relato. Usa el género negro cinematográfico como punto de partida, recreando los cuadros comunes de las películas: encuentro de dos amigos, enfrentamientos entre bandos, persecución, tortura de los protagonistas y su posterior escape, y que entran en una misión peligrosa sin tener claros los objetivos. De igual forma, utiliza en su narración manuales de tortura de la Edad Media, reproducción de fragmentos de códices, partes militares, anuncios publicitarios y carteles de carnicería, todos ellos fundidos en un sincretismo narrativo y visual.

La arquitectura de las ciudades también tiene elementos míticos, principalmente al crear una red de pasajes subterráneos interconectados en los cimientos de los edificios, los cuales son custodiados por alebrijes, que funcionan como faros para guiar a Leonel a las ruinas de los templos prehispánicos. Las cantinas tienen nombres como Nueva Tenochtitlan con publicidad de refrescos embotellados; son elementos gráficos y narrativos fundidos para resaltar la dominación cultural.

La configuración de lo temporal es construida de tal forma, que el lector permanece sin referencias concretas sobre la fecha en que transcurre la historia, porque todas las épocas se yuxtaponen. Por ello, es posible encontrar anuncios de vitrolas y al mismo tiempo armas de rayos láser y helicópteros. La temporalidad igual es confrontada con los textos y personajes de la narración. En la ficción, el manual que acompaña las descripciones de dos formas de tortura utilizada por la Procuraduría General de la República son tomados del Manual Confesionario del Instituto Mexicano de Criminología, escrito por Fray Tomás de Torquemada, en la ciudad de México en 1968, fusionando al autor del documento con el Inquisidor General del Santo Oficio, en el siglo XV.

Ese efecto de intertextualidad también es utilizado en la tipografía a lo largo de la narración. La escritura de los ángeles, los manuales, los anuncios publicitarios, las caricaturas de Posadas en contraste con las letras utilizadas para destacar los cuadros narrativos. En todas las construcciones visuales y narrativas impera el Barroco; todos los detalles son plasmados en los dibujos arquitectónicos, prehispánicos, las alas de los ángeles o los bordes, acompañados todos ellos con los juegos de luz y sombra para transmitir las emociones de los personajes.

Las viñetas son concebidas desde una técnica inédita en el cómic en México y Estados Unidos. Las imágenes son producto del sincretismo de obras de arte, libros, cómic norteamericano, cine, anuncios publicitarios y fotografía. Por ende, en un cuadro los personajes son dibujados con el estilo del cómic norteamericano, mezclado con códices indígenas, dibujos de Posadas, collage de fotografías y manuales de la Edad Media, particularmente del Santo Oficio. Los cuadros igual utilizan los recursos cinematográficos del close-up, movilidad de las escenas, así como copia las escenas de la crucifixión de las obras religiosas.

Además, retoma los elementos de la tradición católica sobre los ángeles para desmitificarlos, fundiéndolos con los estudiantes muertos en Tlatelolco en 1968. Representa el clímax de la historia con la masacre de los nuevos ángeles, que nacen del asfalto y no de Dios, son seres indefensos que acaban de ver la luz victimados por las armas de los soldados e integrantes del Batallón Olimpia. Convierte el nacimiento de la conciencia política de los estudiantes en 1968 en una metáfora, donde el eterno retorno nietzscheano es una sentencia inexorable, e irremediablemente los ángeles caen otra vez en una trampa impuesta por los intereses del Poder. Todos ellos son acribillados junto con su reina, alusión fugaz a la novela Regina de Antonio Velasco Piña, y, al amanecer, son borrados los rastros de la masacre en los noticieros, que ponen en primera plana los resultados de un partido de fútbol.

El tema central del texto es la mutilación de nuestro pasado. Así, la obra reconstruye el desgarramiento espiritual a través de las imágenes y la narración. Por ese motivo, los protagonistas están fragmentados o mutilados. Despedazados por carecer de un pasado, los personajes son presa de la ideología del capitalismo salvaje, todos son confrontados por la ocupación que tienen (cazadores de ángeles, ángeles, judiciales o soldados), en vez de luchar por un ideario o convicción propia.

La Marina interpreta una función doble en el texto, porque funge como intérprete en el encuentro de Leonel con el Gringo John Smith, así como es una advertencia de la nueva conquista que se avecina. Así como la Malinche con Hernán Cortés, el texto reproduce los diálogos a manera de narración escrita más que visual. El pasado y el presente sintetizado en una figura histórica, en una metáfora que representa la nueva conquista de México, porque sus habitantes prefieren dejar caer en el olvido la memoria histórica, la sumisión, al querer entrar al Paraíso materialista construido por el aparato publicitario de las grandes potencias mundiales.

En el texto, el protagonista nos recuerda que la ideología mexicana está forjada por el cine nacional, donde todos somos: “Pepes Toros que no aprenden ni a punta de nocauts. Preferimos llorar a carcajadas con la casa arrasada y nuestros hijos muertos en los brazos. Al fin nunca faltará una maternal Chorreada que nos consuele y nos diga que no importa que acabemos castrados mientras sigamos siendo puro corazón”. La ideología televisiva como identidad cultural en los mexicanos, donde nos enseñan que la resignación es una virtud, sin mostrar que gracias a ella somos carne de cañón para mantener engrasada las fábricas y comercios de los consorcios internacionales.

Al final de la historia, Román es acribillado al momento de desprenderse de su máscara de Nahual, es decir, al dejar atrás su pasado. En contraste con Leonel que conserva la suya. Las máscaras son los “rostros que hace mucho ya olvidamos, que son la carne de la tierra, la piel de nuestra cara, la corteza de nuestros rostros, una voz que no entendemos”. Representan un pasado con el cual no hay reconciliación posible, porque sus raíces fueron convertidas en cenizas en los autos de fe hechos por los frailes en los primeros años de la conquista. El último diálogo de los personajes frente al televisor, donde anuncian el resultado de la liguilla de fútbol, resume magistralmente el pensamiento mexicano: el Ángel Protector le dice a Leonel “sólo quieres oír lo que te gusta” y sólo recibe por respuesta “cállate y come”. Pan y Circo.

REFERENCIAS

Báez, Fernando. El Saqueo Cultural de América Latina. Ed. Random House Mondadori colección Debate, México, 2008.

Clement, Edgar. Operación Bolívar. Ed. Caligrama, México, 2006.

Vidaurre Arenas, Claudia V. Una Historieta Mexicana. Ed. Centro Universitario de Ciencias Sociales y Humanidades de la Universidad de Guadalajara, México, 2000.

Publicado en la Revista Soma No. 6, febrero 2009

Asilo Arkham

2009-01-26T21:09:00.000-06:00

A raíz de la actualización de la mitología de los superhéroes durante la primera etapa de la novela gráfica se creó una veta novedosa para que los escritores amplíen el número de lectores adultos a través de historias complejas. Así, las compañías editoriales ofrecieron a sus lectores obras que exigían una competencia cultural elevada para comprender todos los significados del texto.

Como primer paso para acercarse al público adulto, nominaron al cómic en impresión de lujo como novela gráfica. Con ello, rompieron con la idea de que leerlos era cosa de niños. Esa estrategia dio como resultado un incremento en el número de lectores y permitió la renovación del género.

Bajo ese pensamiento, surgió una historia que marcó el camino para la siguiente generación de novelas gráficas: Asilo Arkhan: Una Casa Seria en una Tierra Seria, del escritor Grant Morrison y el dibujante Dave McKean. Ellos replantearon por completo al personaje de Batman y explotaron todo el bagaje psicológico que, desde su origen, manejaron sus creadores Bob Kane y Bill Finger.

Batman es un personaje pensado desde un punto de vista psicológico, donde la lucha real es librada entre la cordura y la demencia. Cada uno de los villanos y el héroe es construido desde una obsesión particular. Ese enfrentamiento tiene su campo de batalla en Ciudad Gótica, concebida desde sus cimientos con leyendas negras y rituales arcanos, donde el asesinato ocupa el primer lugar en el índice de defunciones. Sus habitantes son un reflejo de su arquitectura, adornada por gárgolas y catedrales olvidadas, donde la traza urbana desemboca sólo en callejones sin salida, rebosantes de basureros.

En ese contexto surge Asilo Arkham, clara referencia al pueblo donde H. P. Lovecraft sitúa sus historias de terror. El lector recibe la bienvenida por parte de la ciudad, donde inicia el recorrido hacia las entrañas de la demencia. Representada por el Joker, quien funge como Virgilio en el recorrido que hace Batman al interior del sanatorio y empujándolo a aceptar su lugar como rey de los locos, ya que su obsesión de salir disfrazado de murciélago a combatir el crimen es superior a los padecimientos de todos los internos.

La galería de villanos está construida con una perspectiva violenta y acorde con la idea original del texto, el cual permaneció sin explotarse debido a la censura de los años 50. Sin embargo, con la reivindicación de la labor de los escritores que trajo la novela gráfica en su segunda etapa a mediados de 1980 y principios de 1990, lograron explorar todas las posibilidades de un personaje creado para combatir psicópatas y asesinos seriales.

Por esa razón, los autores crearon al Sombrero Loco con inclinaciones pedófilas y fijación por las niñas rubias, como Alicia en el País de las Maravillas, mientras que el Espantapájaros sólo deambula por los pasillos del asilo asustando a los internos. Zeus esta obsesionado por conectarse a la electricidad porque se cree un dios, Dos Caras permanece con su fijación por la dualidad, y así, sucesivamente, todos son retratados como psicópatas que emergen de la noche para alimentar las pesadillas de los habitantes de la ciudad. Todos son convertidos en íconos de la obsesión que los mantiene cautivos en los pasillos del asilo.

A la par de la historia central, el narrador cuenta la vida del fundador y primer interno del asilo, Amadeus Arkham, quien construyó el lugar para albergar a los criminales dementes perdidos en el sistema penitenciario. Pero su propósito original cede al presenciar el asesinato de su esposa e hija a manos de uno de sus internos. Toda la recreación histórica sirve para conocer la demencia y el poder que tiene el asilo en sus moradores. Hay otros aspectos que tratar acerca de esto.

Publicado en Por Esto! 26 de enero de 2009

El lector modelo de la novela gráfica

2009-01-12T23:17:00.000-06:00

La Novela Gráfica revolucionó el mundo del cómic a mediados de 1960 debido a que ofreció a los lectores una forma diferente de concebir las historietas. Utilizando a escritores y dibujantes reconocidos del género, las compañías editoriales lanzaron un producto enfocado a captar lectores adultos y los creadores tuvieron la oportunidad de reivindicar su trabajo con propuestas estéticas y narraciones con calidad literaria.

Soslayando la dificultad que tiene la palabra “género literario” —porque obliga al investigador a englobar las obras bajo un solo criterio sin contemplar la unicidad de los textos— denominamos Novela Gráfica al texto narrado apoyado en imágenes, por tanto, en el proceso de creación intervienen historiadores, argumentistas, dibujantes, entintadores y coloristas.

En un principio, el cómic concebido por las principales editoriales, DC y Marvel, fueron historias por entregas dirigidas al público infantil y adolescente. La trama era una lucha entre héroes y villanos donde los diálogos contenían la solemnidad de los héroes épicos y sus valores como son amor al país, honestidad, moral y justicia. El formato, generalmente eran cuatro viñetas en una hoja y todos los cuadros de diálogo en forma lineal.

El lector modelo del producto esta configurado como un seguidor de la continuidad de la ficción creada. Dicho seguimiento permite entender la trama de la narración. Por ello, su conocimiento enciclopédico abarca todos los relatos anteriores, lo cual permite que reconozca a todos los personajes con o sin disfraz, personajes secundarios y tiene un conocimiento parcial de la historia de cada uno de ellos.

Con la introducción de la Novela Gráfica, el lector modelo configurado como un adulto representa poder adquisitivo elevado para consumir historietas con impresión de lujo, conocimientos de cultura general, interesado en tramas complejas y predilección por temas crudos y de actualidad, con criterio para discernir las escenas con violencia y con la madurez necesaria para entender los patrones de comportamiento. Es decir, el lector configurado es aquel que siguió las historias desde que era niño.Sin embargo, existen otras editoriales a parte de DC Cómic y Marvel Cómic que han utilizado el nuevo formato para ofrecer historias ajenas al mundo de los superhéroes, con ello no es necesario conocer la continuidad.

Así, abrieron la posibilidad de que un mayor número de lectores consuman historietas. Dicha política fue seguida por las compañías principales para modernizar sus estrategias para captar mayor público.Gracias a la nueva forma de concebir el cómic, los estereotipos de superhéroes enfrascados en batallas para conservar la Ley y el Orden evolucionó hasta adquirir profundidad. Dejaron atrás los personajes acartonados para abrir paso a los problemas morales, sexuales, psicológicos y, lo más importante, su propia interpretación de la ley.

La aparición de la Novela Gráfica permitió la complejidad de los planteamientos iniciales. Esa revolución permitió obras como Watchmen del escritor Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons, quienes presentan a los superhéroes como seres humanos con problemas psicológicos severos, los cuales los obligan a salir de noche a perseguir delincuentes. Además, mostró a los héroes teniendo relaciones sexuales así como exponiendo sus necesidades y anhelos. Con esa historia profanó el estereotipo moral del superhéroe hasta el límite de cuestionar la legalidad y la moral de sus actos.

Desde el punto de vista estético, los formatos tradicionales de cómic cambiaron para imprimir dinamismo en las narraciones. Al momento de perfilar a su lector modelo, consideraron incluir dibujantes con estilos renovadores, donde las imágenes impacten a los consumidores.La decisión de considerar el valor literario y artístico de las obras emanadas de la Novela Gráfica dependerá del tiempo y la definición de arte en boga, sin embargo, no podemos dejar de reconocer las aportaciones visuales y la construcción de historias complejas, cuyo contenido es un reflejo de los problemas ideológicos y sociales de la actualidad.

publicado en Por Esto! 12 de enero de 2009

A CINCO AÑOS DE DISTANCIA DEL MEMORIAL DEL SEDICIOSO Y UN ESTADO DE SITIO

2009-01-07T00:25:00.000-06:00

Muy pocos conocen el trabajo del poeta chiapaneco Óscar Oliva en el universo de la poesía mexicana. Tal parece que el título Trabajo Ilegal signado en su recopilación de poemas es una profecía, porque los trabajos dedicados a analizar su poesía son escasos. La contribución más importante de sus textos es actualizar el lenguaje poético. Parecieran poemas dedicados a la denuncia social, cuando en realidad son metáforas del dolor y la rabia, son versos que cantan la necesidad de solidarizarse con los marginados. Son textos que sufren solamente, nacidos del precursor del dolor humano: César Vallejo. Cada quien descubrirá en Óscar Oliva la riqueza de su lenguaje y su poder para invocar el lenguaje mítico. Es una breve descripción para celebrar sus 71 años de nacimiento cumplidos el pasado 5 de enero.
Además, hace cinco años atrás iniciamos Tomás Ramos, Manuel Tejada y yo nuestra primera reunión con el poeta José Díaz Cervera, con quienes trabaje mi poemario En el Umbral del Culatazo y desde entonces forjamos un recorrido que nos llevó a muchos puertos, encuentros y desencuentros, pero es un año más de amistad y compromiso con la literatura, un año más inscritos en el Memorial del Sedicioso.

Para finalizar un poema de Óscar Oliva que describe el compromiso del escritor con la literatura y la responsabilidad humana:

Entraste. En el cuerpo ronco, en la garganta ronca.

Entraste con los pulmones hechos pedazos, sin resurrección posible.

Con todo el cuerpo abierto, como boca roncando.

Con la frente de fuera, sin ninguna escritura.

EL ASESINO DEL TORSO

2009-01-03T00:56:00.000-06:00

El papel en blanco es un reto para escritores y dibujantes al plasmar sus ideas, sobre todo para los novelistas gráficos. Contadas veces fusionan las viñetas con la palabra en el cómic, debido a la visión diferente de argumentistas y artistas visuales. Sin embargo, hay excepciones como es el caso de Torso. El descuartizador de Cleveland.

Editado por Planeta D’Agustini, la novela revolucionó la estética del cómic tradicional, involucrando al lector en la historia y la confusión de los protagonistas mientras desentrañan el misterio planteado en el argumento.

Torso es una investigación novelada de una historia real del primer asesino en serie registrado en Estados Unidos, quien operó en Cleveland, Estados Unidos a mediados de 1930. Sus 12 víctimas aparecieron desmembradas con precisión anatómica, cuyas cabezas, manos y pies fueron removidos para imposibilitar la identificación de los cadáveres.

Escrito y dibujado por Brian Michael Bendis con la colaboración de Marc Andreyko en el guión, el cómic narra la llegada de Eliot Ness al puesto de Director de Seguridad Pública de Cleveland, quien era famoso aún por capturar a Al Capone junto con sus “Intocables” en Chicago. Paralelamente a la crónica de Ness, esta la perspectiva de los detectives Myrlo y Simón, asignados a descubrir y capturar al Asesino del Torso.

Para crear un efecto de película antigua, la novela fue diseñada en blanco y negro, otorgando mayor predominio a éste último como continuación de la incertidumbre y la desesperación por capturar al asesino. Aunado a lo anterior, la otra innovación consistió en revolucionar la estructura de las viñetas y construir un efecto visual de acuerdo a las sensaciones que narran los protagonistas.

Así, el lector debe seguir las viñetas sin el tradicional movimiento de Z que hace la cabeza para leer el cómic, sino que hay páginas negras ocupadas por un solo dibujo blanco, hay cuadros que obligan a girar el libro 360 grados para leerlo, debido a los dibujos en espiral, imágenes detenidas al momento de la acción así como simulaciones de fotografías de la época.

El escritor británico Alan Moore inició con From Hell el cómic del género negro con bases científicas, encaminado a ofrecer a los lectores su hipótesis de la identidad de Jack el Destripador. Tomando los aportes de su predecesor, Bendis retomó las bases de esa obra para construir su relato con argumentos científicos y ofrecer una explicación objetiva de los hechos ocurridos y comprobar su hipótesis.

Con Torso, los autores usaron como técnica la narración en primera persona, con lo cual los lectores se introducen al universo mental de los protagonistas, para conocer sus dudas, miedos y sentimientos. Con ese recurso literario, tenemos garantizado un asiento en primera fila durante la batalla política y mediática que enfrentó Eliot Ness.

Así como Gabriel García Márquez profundiza en el lado humano del general Simón Bolivar al narrar sus últimos meses de vida, Bendis humaniza el mito de Eliot Ness al plantear una verdad olvidada: su incapacidad para capturar al primer asesino en serie y, como consecuencia, su debacle como funcionario público.

La novela gráfica utiliza al máximo los recursos de la narrativa para explorar las posibilidades que ofrece el papel en blanco. Rompió con la tradición de las viñetas y el formato norteamericano de cómic, debido a la necesidad de cubrir cada aspecto de la historia y envolver al lector con el principio de Aristóteles: la veracidad. Un principio aplicado en el texto, obligando al lector a quebrar su inmovilidad mental y física así como empujarlo a navegar en las verdades ocultas detrás de los mitos y héroes que sostienen una cultura popular, y entender qué nos hace humanos.

Publicado en Por Esto! el 2 de enero de 2009

LA FRAGILIDAD COMO ÉSTETICA EN LA LITERATURA Y EL CINE GORE

2008-08-12T16:12:00.000-05:00

En literatura existen estudios novelados enfocados a las relaciones sociales y los diferentes lenguajes que intervienen en ese proceso. Aunque hay escritores que prefieren abordar desde una perspectiva diferente y directa las pasiones "malignas" que se ocultan detrás de cada interacción entre los seres humanos. Dichos sentimientos son liberados de los candados de la moral, la religión así como del instinto de supervivencia, para presentarnos sin ornamento nuestra capacidad para la violencia. Así, a través de sus textos cuestionan las normas de la civilización y construyen su concepto de ciudad.

Con la finalidad de ofrecer una nueva perspectiva de las relaciones sociales, la Literatura Gore trabaja los temas tradicionales de la literatura (amor, odio, abandono o muerte) con un punto de vista diferente. Utiliza como estrategia estética el fracaso de las relaciones sociales. Por ello, los motivos literarios de los escritores de este género son el sadismo, el canibalismo, el asesinato, la tortura, el morbo o la necrofilia. El principal objetivo que tienen los creadores es enfrentar a los hombres con una verdad universal e innegable: la fragilidad de nuestra existencia, empleando como medio el cuerpo humano. Entonces, esos mismos temas cumplen con el objetivo de demostrarnos que la vida, de por sí fugaz, puede acortarse aún más por causas fuera de nuestro control.

Para conseguir ese fin estético, los cineastas y escritores centraron su descripción visual y verbal en la violencia extrema, dicha decisión es uno de los detonantes que propició el nacimiento del género Gore. La mayor parte de las producción hechas bajo esa concepción son generalmente censuradas por su contenido gráfico, aunque irónicamente es el medio que eligieron para impactar al lector/espectador y hacerlo consciente de su propia fragilidad.

Como parte del objetivo de transmitir el mensaje claro y directo al lector/espectador, los creadores ambientan sus textos y grabaciones en espacios cotidianos, como son el hogar, restaurantes, hoteles y parques de diversión, para crearnos el sentimiento de inseguridad y romper la armonía que la publicidad y propaganda otorga a los centros de entretenimiento. Al mostrar esos lugares como mataderos improvisados por fríos asesinos, los novelistas obligan a sus lectores a interiorizar y ocupar el lugar de la víctima, ya que gracias a lo familiar de los escenarios donde transcurre la novela, el lector inconscientemente entra en la trama al considerar que podría estar en una situación similar en cualquiera de sus paseos dominicales.

Para impactar a su público, la ambientación de las escenas están encaminadas a obligar al lector a interiorizar el papel de la víctima y hacerlo consciente que él o su familia tienen la posibilidad de ser asesinados o torturados por una coincidencia trágica. Una vez que la narración cumple con despertar la sensación de terror, los textos nos muestran la destrucción física del cuerpo humano, con una historia relampagueante hasta el vértigo.

El Marqués de Sade narraba sus relatos con descripciones detalladas de la destrucción del cuerpo en la consecución del placer, ahí utiliza la sexualidad como un detonante que erosiona las relaciones sociales hasta convertir a los semejantes en objetos sin valor dispuestos a sacrificarse para que el protagonista obtenga el máximo orgasmo.

Las obras Gore nos recuerdan nuestra mortalidad con el manejo duro que hace de la realidad. Así, pese a que los protagonistas violan todos los códigos morales hechos para mantener la armonía social, sobreviven sin recibir ningún castigo. Mijail Bajtín en Problemas Estéticos de la Creación Verbal habla del "mundo ético" creado en la novela, el cual consiste en equilibrar el desorden al concluir la novela. Pero los textos con elementos Gore contradicen ese modelo.

La armonía literaria la podemos apreciar con mayor claridad en las novelas de terror, porque al finalizar la narración vemos que las fuerzas del bien triunfan al restablecer el orden social y moral, mientras que el Gore nos exige reflexionar sobre nuestra ingenuidad al creer que "los buenos siempre ganan", porque en su narrativa ese enunciado más que una regla es una excepción.

Los elementos estéticos usados en el Gore tienen sus raíces en varios poemas épicos, donde las descripciones de los asesinatos y mutilaciones eran utilizados para reforzar un rasgo físico. Como ejemplo podemos citar a Aquiles en La Iliada o el Amadís de Gaula, donde narran cómo de un golpe una persona es partida a la mitad, "desjarretada" con toda y caballo. Esas escenas remarcan la idea de fortaleza de los héroes cuando afrontan sus retos.

Con el tiempo la literatura amplió esos elementos Gore para canalizarlos a la expresión artística, la cual tiene sus variantes en el teatro isabelino de los siglos XVI y XVII. Shakespeare con obras como Tito Andrónico o La Duquesa de Malfi, como un ejemplo de melodrama de este género. A finales del XVIII, la novela gótica profundiza en los temas sobrenaturales y criminales, además, transporta al campo literario la descripción de asesinatos con extrema violencia.

En el umbral del siglo pasado, los autores que cultivaron el género estuvieron enfocados en los relatos de terror, como es el caso de Lovecraft, Howard o Bloch. Paulatinamente dejaron el campo del horror para trasladarse a la novela negra, donde los asesinatos ganan terreno descriptivo con el paso de los años. Así, tenemos una línea suave con Sherlock Holmes, que irá creciendo con el paso de los años hasta dejar a tras a los detectives reflexivos, y centrará su atención en los policías de la calle, que combaten el crimen en cocinas del infierno, albergadas en las entrañas de ciudades duras y oscuras, como las representadas en la obra de Dashiell Hammett.

En cine como en literatura hay diversos ejemplos sobre las imágenes y narraciones Gore. A principios del siglo XX, la película Intolerancia, de D.W. Griffith, muestra el primer efecto especial encaminado a presentar una mutilación realista del cuerpo humano en la pantalla, donde hubo escenas con decapitaciones así como una lanza atravesando el abdomen de un soldado.

Como consecuencia de esas películas se creó el código Hays para restringir los contenidos que se presentaban los productores en Hollywood, sobre todo a raíz de los escándalos que surgieron a partir de 1920 por obras del mismo corte que Intolerancia, donde los creadores eran sometidos a investigaciones para asegurarse que los asesinatos presentados en pantalla sean verdaderamente efectos especiales.

Pese a los 50 años de censura el cine Gore sobrevivió. En 1979 Ruggero Deodato estrenó la película Holocausto Caníbal. En esa filmación se abordó la dicotomía civilizado/incivilizado para exponer, a través de la narración visual de la violencia, su concepto de naturaleza humana y la erosión de sus relaciones sociales sin importar los avances tecnológicos.

Antecedente de la película The Blair Witch Project, Holocausto Caníbal innovó la estructura de las películas al utilizar el formato de los documentales. Con ese andamiaje creó la ficción de una serie de videos encontrados en el Amazonas, pertenecientes a un grupo de exploradores desaparecidos misteriosamente, los cuales fueron víctimas de una tribu de caníbales. Pese a que el hilo argumental es sencillo, la exposición de prácticas comunes (aborto, violaciones, asesinatos y violencia contra los animales) eleva la apuesta de la comparación decimonónica entre civilización y barbarie, para demostrarnos que no hay diferencias abismales, tan sólo sutiles alteraciones. Es decir, pese a la diferencia tecnológica, ideológica y moral atribuidos en la definición de civilización, la película nos demuestra que es retórica preciosista.

En literatura, la vertiente narrativa denominada Género Negro ha adquirido los elementos del Gore para cuestionar las relaciones entre los seres humanos. La descripción de los crímenes varía de acuerdo con el autor y la época. Edgar Allan Poe en el cuento de Los Crímenes de la Calle Morgue describe la escena de los cuerpos asesinados con los detalles indispensables, justificando la imagen con las habilidades de investigación del protagonista Auguste Dupin, porque su trabajo deductivo es nutrido con las pistas provenientes de los cadáveres y la escena del crimen.

Para referirnos a los elementos Gore en las novelas del Género Negro en obras recientes de la narrativa mexicana, hablaremos de la continuación del libro Tabaco para el Puma del escritor Juan Hernández Luna, cuyo título Cadáver de Ciudad es una insinuación a la temática que manejará a lo largo de sus páginas. La primera novela ganó el premio internacional Dashiell Hammett en 1997 como texto policiaco. En la continuación de la misma, inició la descripción de los asesinatos y ofreció una ciudad cuyas estructuras están golpeadas, las relaciones humanas de esas urbes tienen como premisa básica obtener el mayor beneficio de la otra persona, en satisfacer la sexualidad a cualquier costo, es la destrucción física y simbólica de los cuerpos.

Cadáver de Ciudad tiene como personaje principal a Skalybur, el Inmortal, quien en la primera novela desapareció al líder de una banda delictiva en plena catedral poblana, a través de un inverosímil truco de magia. Al concluir su sorpresivo acto, huye hacia una playa olvidada en Baja California para autoexiliarse. Sin embargo, recibe un cheque en blanco a cambio de aclarar la castración de un millonario pervertido. Para develar el misterio, deberá sumergirse al mundo de la pornografía "dura" y la prostitución, manejado por sectas secretas.

La estructura del texto está articulada en 8 historias alternadas en cada capítulo, las cuales se irán entretejiendo en el transcurso del relato. Del mismo modo, los elementos Gore cobran fuerza en cada página. Para exponer la idea central de una ciudad muerta, recurre a la bestialidad de los protagonistas, a describir las muertes de mujeres, niñas, zoofilia, necrofilia, masturbaciones a la menor provocación, pedofilia, canibalismo, degradación y sexo con cadáveres en avanzado estado de descomposición, todo ello rodeado con el aura de la violencia. A una velocidad trepidante para impedir la sensación de asco u horror, las escenas cambian, los narradores de las ocho historias van mezclándose y los grados de violencia varían. Es por ello que en un cuadro vemos un asesino con la innata vocación para la violencia extrema, mientras que la historia siguiente el protagonista de la novela tiene relaciones sexuales con un ganso decapitado.

El hilo argumental de la novela es sencillo y transcurre en forma lineal a lo largo de la misma. La fragilidad del cuerpo humano es expuesta sin ornamentos. Para evitar sacralizar la muerte, todos los cadáveres son disueltos, arrojados, mutilados o enterrados como fardos, con toda intención borra la celebración de los funerales. No hay sentimentalismo ni lágrimas. Los protagonistas también son mutilados, el cuerpo literario sangra y convulsiona para que el lector entienda que la mortalidad es la condición principal de nuestra existencia. No importa descubrir quienes están detrás de los crímenes, porque el mismo texto sugiere que todos los espacios vacíos en el poder de las sectas son ocupados inmediatamente, por cada uno de los psicópatas muertos, surge otro, entonces el mensaje que se impone es que las presas y cazadores tienen el tiempo contado, que son reemplazados sin que nadie los recuerde.

El horror de la muerte en soledad nace desde la primera línea, cuando el primer narrador es abandonado por su esposa. Lentamente extermina todos sus recuerdos de su vida pasada al acabar con cada uno de los peces que su mujer le dejó como herencia, así la posibilidad de sujetar una de las alas de la inmortalidad del recuerdo se desvanece. El lector siente no sólo el abandono de los personajes, sino que presencia el derrumbe de las relaciones sociales y su imposibilidad para restaurar a través de ellas la armonía del mundo.

Después de todo, la estética propuesta por la Literatura Gore es sencilla: el ser humano carece del sentido de la supervivencia. Las novelas tienden a crear una atmósfera que sofoca al lector con narraciones detalladas e imágenes violentas, para recordarnos que la inmortalidad está basada en el deseo de olvidar que la muerte acecha detrás de cada segundo.

La responsabilidad histórica de la crítica literaria

2008-07-27T11:57:00.000-05:00

La crítica literaria atraviesa uno de los momentos más fructíferos en el desarrollo de su historia en el Estado de Yucatán, porque los centros educativos diversificaron las opciones para crear estudiosos de la literatura con las herramientas teóricas adecuadas. Hace 15 ó 20 años los estudios literarios estaban vinculados a resaltar las virtudes apuntadas en las biografías de los autores, sin destacar las nuevas posibilidades del lenguaje que hay en las obras literarias. Sin embargo, a principios del nuevo milenio, la modalidad de los análisis literarios en la entidad cambió paulatinamente con la creación de las carreras dedicadas a esa materia.

Actualmente, los críticos literarios tienen la posibilidad de ampliar los conocimientos y validar los aportes hechos por generaciones de escritores yucatecos, quienes fueron silenciados porque los encargados de examinar cada uno de sus innovaciones carecían de las herramientas teórico-metodológicas necesarias para construir la historia de la literatura en Yucatán con todos sus matices, anécdotas y complicaciones.

Son muy pocos los críticos que enfilan sus estudios hacia las diferentes vetas que existen en la entidad, como son las producciones de los talleres literarios de escritores mayas o bilingües, quienes además de superar las dificultades para promocionar y publicar sus trabajos a todos los sectores de la población así como lograr la circulación de sus obras en todas las bibliotecas y librerías, deben esperar que los investigadores tengan la motivación suficiente para hacer un breve estudio sobre su trabajo.

La responsabilidad de la crítica será construir la historia de la literatura basada en criterios no cronológicos únicamente, sino que deberá analizar todas las particularidades de cada una de las obras en cuestión, reconocer con base a criterios objetivos cuáles cumplen con la calidad mínima para considerarla obra de arte, así como construir todas las redes y relaciones de los escritores yucatecos en la entidad. También es necesario saber cómo estaban vinculados las entidades federativas con el centro del país y ampliar la documentación existente en cuánto a imprentas, distribución y promoción de las obras literarias.

A la par, los críticos deben asumir su compromiso con los textos que analizan dejando de lado al escritor mismo para ofrecer a los lectores un estudio honesto y con conclusiones enfocadas a la calidad, la innovación o los alcances del poema, cuento, novela o cualquier manifestación del arte que tenga en sus manos y así consolidar la historia de la literatura.Es obvio que no podemos dejar todo en manos de los críticos literarios, porque son los lectores quienes al final deciden la suerte de una obra de arte, sea cual sea sus limitaciones, pero no por ello, debemos dejar de lado la responsabilidad de estudiar el texto así como determinar por qué un libro alcanza los más altos niveles de lectura.

Todos los caminos llevan al crítico, pero la responsabilidad de cada uno de ellos estará determinada por el nivel de compromiso que asuma ante los posibles lectores.Al terminar nuestra carrera es tentador estudiar y descubrir nuevas posibilidades de lectura de las novelas clásicas y de autores que parecían agotados. Mariano Azuela y la Novela de la Revolución es mi pasión y está reflejada en mi tesis, pero no por ello debemos dejar de lado nuestro compromiso con la historia de la literatura yucateca y debemos cooperar para hacer que avance con una crítica verdadera y sincera.

Debemos comprometernos al momento de escribir, no importa que sea creación literaria o crítica: el arte es pasión y honestidad así como nuestra brújula para conocer la tensión del hombre con su destino, es por ello que debemos comenzar a escribir la historia de la literatura yucateca, para conocer las venas que sujetan nuestras creación, con ello evitaremos alimentar la verdad del Eterno Retorno propuesto por Friedrich Nietzsche, porque los errores nuevos siempre serán un avance, mientras que repetirlos es mantenernos detenidos en el tiempo sin esperanza.

Rodrigo E. Ordóñez Sosa

Publicado en Por Esto! domingo, 20 de julio de 2008